"C'est toujours une étoile inaccessible que nous aimons, et chaque amour est toujours, en son essence intime, une tragédie, mais qui ne peut produire qu'en cette qualité ses effets immenses et féconds. On ne peut descendre si profondément en soi-même, on ne peut puiser au tréfonds de la vie, là où toutes les forces reposent encore enlacées, tous les contraires encore indifférenciés, sans ressentir aussi en soi-même le bonheur et les tourments, dans leur connexion mystérieuse". Elle avait la vie de son côté. Elle eut de la chance mais aussi de l’énergie à revendre. Jamais femme n’eut autant de partenaires de tête à une telle hauteur: Nietzsche, Rilke, Freud, mais aussi Andreas, qui fut son mari, Rée, Wedekind, Schnitzler, Hofmannsthal. Éloquent tableau de chasse. Elle les a inspirés, envoûtés, éveillés et rendus à eux-mêmes. L’œuvre qu’elle laisse, (Journal, Mémoires, récits, nouvelles, articles de presse, Lettre ouverte à Freud, contributions à la psychanalyse naissante, un essai sur Nietzsche) retient sans doute moins que les riches relations qu’elle noua avec tant de grands noms de son temps. Lou fut une sourcière au jugement infaillible. De grands yeux bleus affamés, une lourde chevelure blonde nouée en tresse, le front vaste et buté, la bouche au dessin parfait, cette femme de haut rang naquît à Saint-Pétersbourg, le douze février 1861, au lendemain même de l’émancipation des serfs. Sa mère, Louise Wilm, issue des hautes sphères de la noblesse danoise, reçoit les félicitations du tsar, tout comme son père, Gustav von Salomé, allemand des pays Baltes, descendant de huguenots d’Avignon, général de l’armée russe et conseiller secret du souverain à la cour impériale. Les passions qu’elle a déchaînées ne la brûleront pas. Elles consumeront ses partenaires. Cette solitaire, défricheuse d’êtres et de lieux. Elle aura des amis partout dans le monde: voyageuse impénitente, randonneuse aguerrie a l’âme fière et la gaieté chevillée au corps. "Un buisson ardent" disait Rilke.Il y a trop de Lou. Lou a trop de visages, trop de masques. Il y a trop de statues publiques en son jardin secret, qui en embellissent la géométrie, la déforment, la diffractent. Trop d'hommes autour d'elle: Paul Ree et Wedekind, Victor Tausk, Hofmannsthal, Arthur Schnitzler, et Nietzsche, et Rilke, et Freud. Elle les a passionnés, inspirés, ébranlés, fait vivre, menés au suicide. Ils l'ont décrite en muse, en génie, en ensorceleuse. En femme-splendeur, capable, par l'intelligence de l'amour, de "traverser intrépide les mystères les plus ardents". En diablesse, en Messaline, pour laquelle "recevoir le sperme" était délice et "sentiment océanique". En déesse, en Madone aux sept voiles, vierge et immaculée, pur esprit se nourrissant de l'esprit de ses compagnons d'aventure. Au moment de sa mort, Rilke aurait dit: "Demandez à Lou ce qui n'a pas été chez moi. C'est la seule à savoir". Mais, de Lou, "la plus intelligente de toutes les femmes", selon Nietzsche, qui aurait pu percer l'énigme ?   "Le monde ne te fera pas de cadeau, crois-moi. Si tu veux avoir une vie, vole-la. Je suis éternellement fidèle aux souvenirs. Je ne le serai jamais aux hommes". Au soir de sa riche vie, après de longues années consacrées essentiellement à la psychanalyse, Lou Andreas-Salomé revient au travail littéraire et, en 1933, rédige une trilogie ("Frères et soeur", "Un journal de Pentecôte" et "Retour au foyer") qui éclaire par la fiction, et déguise, les mystères de sa vie intime, d'une identité féminine cherchée par-delà l'épreuve de l'errance, des entrelacs du désir, du sexe et de la mort. "De quelles étoiles sommes-nous tombés pour nous rencontrer ?" C'était alors le printemps 1882. Nietzsche venait de loin, et n'était pas très fringant. Le congé de l'université de Bâle s'était changé en retraite définitive. L'auteur de la "Naissance de la tragédie" se sentait oublié, depuis qu'il s'était détourné de Wagner. Il ne voyait presque plus et tout son corps était mordu par les crampes. Il suivait le soleil, de Nice à Gênes, de Rapallo à Rome, de Sorrente à Messine. Il avait avec lui, raconte Stefan Zweig, "un coffre vieux et laid, en bois", où il rangeait ses deux chemises et les "nombreux flacons, pots et potions contre les migraines, les coliques, les vomissements spasmodiques, la paresse de l'intestin, les insomnies". Liolia aussi venait de loin. De Saint-Pétersbourg. À sa naissance, le tsar lui-même avait envoyé ses félicitations à Louise Wilm, de noble origine danoise, et à Gustav von Salomé, un allemand des pays baltes descendant des huguenots d'Avignon, général de l'armée russe et conseiller d'État. La petite Louise grandit, "entourée d'uniformes d'officiers", pour une large part à l'écart de la société russe, dans la petite communauté d'émigrés germanophones ou de sujets allemands de l'Empire russe, pour laquelle son père avait alors obtenu du tsar l'autorisation de créer une église réformée. Elle aiguise tôt son esprit aux questions religieuses. Toute petite, elle secoue son Dieu d’enfance comme une enseigne sculptée par elle, avant de l’étrangler. Elle tente de cacher aux yeux de ses parents, très pieux, la mort de ce Dieu. Cette perte de la foi est alors presque contemporaine de la mort du père. La fillette protégée, la dernière et la seule fille d’une fratrie de cinq garçons traverse donc cette première crise, précoce et salutaire. De cette douleur initiale Hendrik Gillot l’aide à sortir. C’est un prédicateur hollandais très libéral. D’emblée séduit par l'intrépide demoiselle "au charme masculin" qu’il rêve de modeler à sa guise, il la forme aux philosophies de Kant et de Spinoza, lui révèle les moralistes français mais aussi Rousseau, Kierkegaard. Il l’initie également à la poésie. Ils étudient de concert l’histoire des religions, l’Islam, l’hindouisme. Lou dévore. Freud, plus tard, évoquant cette faim de savoir, estimera qu’elle absorbe à ce point les idées d’autrui qu’elles en sont comme digérées par elle. C’est ainsi Gillot qui la baptise Lou. Amoureux d’elle, il veut divorcer pour l’épouser. Le charme est rompu. Lou s’enfuit alors.   "Si je fus ta femme pendant des années, c'est parce que tu fus pour moi la première réalité où le corps et l'homme sont indiscernables". En septembre 1880, elle s’établit à Zurich, entre à l’université où elle suit les cours de logique, d’histoire des religions, de métaphysique. Élève surdouée mais à la santé chancelante, elle doit partir en cure à Rome en avril. Elle est aussitôt introduite dans un cercle d’intellectuels brillants, d’artistes et d’écrivains tenu par Malwida von Meysenbug, l’une des premières disciples de Wagner, amie de Nietzsche et de Rée. Ces derniers, très liés, tous deux rudoyés par la vie, découvrent l’exceptionnelle gamine. Lou Andreas-Salomé, jeune créature tout à fait étonnante, dont Freud, des années plus tard, louera "l’intelligence redoutable", et qui repoussera la demande en mariage de Rée, devient, le temps d’un séjour de trois semaines à Tautenburg, la disciple fervente de Nietzsche qui est ensorcelé. Des entretiens en tête à tête, réglés par le philosophe, ouvrent à Lou les portes de la mort de la métaphysique, les énergies réinvesties dans l’homme et non plus dans la morale et dans la religion. Nietzsche rêve de transmettre les conséquences ultimes de sa philosophie. À raison de dix heures par jour, les deux nouveaux amis dissertent avec une énergie sauvage. Le foulard rouge jeté sur la lampe à la nuit tombée assure à la scène son caractère méphistophélique. Nietzsche dira de Lou qu’"elle a la perspicacité de l’aigle et le courage du lion, même si elle demeure une jeune fille enfant". Après cette édifiante rencontre qui s’achèvera par une rupture, Nietzsche introduit Lou à Bayreuth où elle choque par son audace et la liberté de sa mise. À commencer par Elisabeth, soeur de Nietzsche, falsificatrice acharnée de ses œuvres, sa compréhension très eugéniste de la "Volonté de puissance", future adepte des thèses nationalistes et racistes du nazisme. Un projet de vie commune avec Nietzsche et Rée, une troïka fait long feu. Nietzsche, bon prince, s’adapte aux désirs changeants de Lou en quête d’une cité, Vienne, Paris ou Munich où tous trois s’abriter. Cette valse-hésitation finit tout de même par alarmer le philosophe. Lou n’est pas capable de le suivre sur ses hauteurs. L’amour se change en amertume. Le chamois des cimes n’est plus à ses yeux qu’un vulgaire chat doublé d’une enfant immature, figée dans la caricature du culte du moi. Nietzsche, déçu, se voit floué. Le voilà taquiné par des envies de suicide, sauvé inextremis par l’opium. Une fois passée l’épreuve du désenchantement, il est mûr pour "Ainsi parlait Zarathoustra", dont il rédige alors en février 1883 la première partie en seulement deux semaines.   "Tout amour est tragique. L'amour partagé meurt de satiété, l'amour non partagé d'inanition. Mais la mort par inanition est plus lente et plus pénible". La fulgurance de sa prose y touche à la poésie. Lou et Nietzsche ne se reverront plus. Des années plus tard, Lou écrira son "Friedrich Nietzsche" à travers ses œuvres, (1894), ouvrage abordant la philosophie de Nietzsche par le biais de l’enracinement biographique. Le discernement exceptionnel de Nietzsche, le soupçon natif de l’immoraliste qui pointe déjà, sa manière d’envisager la religion comme un facteur d’avilissement de l’homme, la puissance de feu de son appel à "philosopher à coup de marteau", son génie, enfin, pour sonder le tréfonds des êtres, serviront de sûr terreau au travail de psychologue dont Lou se fera une spécialité et constitueront de solides assises à sa pratique de la psychanalyse. Fou d'amour, exalté, Nietzsche veut que Lou soit tout pour lui, une élève, une épouse, une âme jumelle. Il lui écrit: "Je sens en vous tous les élans de l'âme supérieure, je n'aime rien d'autre en vous que ces élans". Ou encore: "Je renonce volontiers à toute intimité et à toute proximité, si seulement je puis être assuré de ceci: que nous nous sentions unis en ce à quoi les âmes communes n'accèdent pas". À vingt-six ans, elle rencontre alors Friedrich Carl Andreas qui en a quarante-et-un. Ils se marient. Elle obtient de lui qu’ils n’aient pas d’enfants. De nombreuses rencontres ponctuent cette période. Le couple marque un net intérêt pour le théâtre en Allemagne mais aussi en France où André Antoine invente la mise en scène moderne. En avril 1897, alors âgée de trente-six ans, Lou fait alors la connaissance du poète Rilke, de quatorze ans son cadet. Elle se fait la mère amante de ce grand cyclothymique. Elle le rebaptise Rainer en lieu et place de René, le guide sur le chemin du dépouillement de l’écriture. Elle sera tout pour lui. Freud dira comme "une mère et une muse attentive". Cette passion dure trois ans. Lou organise la rupture, "arrachée, lui dit-elle, à cette réalité de tes débuts qui nous avaient fait apparaître comme tirés d’une même matière". Lors du voyage en Russie entrepris en commun, "tout est pathologique". Malgré la séparation, ils resteront proches de loin, en atteste leur correspondance.   "Tandis qu'aucune route ne mène de l'amour sensuel à l'amour spirituel, de nombreux chemins mènent du second au premier". Lou, partout où elle passe, provoque l'émoi, de Rome à Vienne, de Paris à Berlin. Savie est une farandole de l'amour, du savoir et de la vie, dans laquelle tous ses partenaires, souvent plus jeunes qu'elle, sont emportés. "Jamais auparavant, dans ma tâtonnante hésitation, je n'avais aussi fortement senti la vie, cru dans le présent et reconnu l'avenir. Tout ceci arriva parce que j'eus la chance de te rencontrer à un moment où j'étais en danger de me perdre dans l'absence de formes". L'alternance, chez Rilke, de l'exaltation lyrique et de la dépression inquiète Lou, qui, après trois ans de passion, ménage une rupture. Elle restera toujours proche de son "enfant et souverain", l'amour se muant en amitié et tendresse. Le dernier grand homme de Lou, Sigmund Freud, ressortit à l’évidence à la figure du père. Elle le connaît en 1911, lors du troisième congrès international de psychanalyse de Weimar. La femme de lettres dont il sera épris, sans jamais franchir la limite des convenances, lui écrira: "Ma vie était en attente de la psychanalyse depuis que j’ai quitté l’enfance". Elle est rapidement acceptée dans le premier cercle des pionniers aux côtés de Ranket Ferenczi. Elle devient l’amie intime d’Anna, fille du maître qu’il a lui-même psychanalysée. Lou enrichit la théorie de ses propres analyses et se révèle fine praticienne. Freud écoute ses observations sur le monde féminin, même si un désaccord tacite survient à propos de la religion, qu’il place au registre des illusions quand Lou reverse la perte de Dieu au crédit des énergies vitales. La "compreneuse par excellence" (Freud), vivra en dernière instance une relation triangulaire avec Freud, alors atteint d’un cancer de la mâchoire et avec Anna, si inhibée devant les hommes et si attachée à un père qui le lui rend trop. Freud est amoureux d'elle, mais, la sublimation aidant, leur liaison, forte, reste de respect, d'admiration, de partage intellectuel, et est renforcée par l'amitié que la fille de Freud, Anna, porte à Lou. Elle écrit ses textes psychanalytiques entre 1911 et 1931. Elle s'intéresse beaucoup à la question du narcissisme et à la création, notamment dans le rapport de celle-ci avec l'amour. Selon Inge Weber, elle "a mis en relief la notion de double direction présente chez Freud dans sa conception de la libido" (1921, "narzißmus als Doppelrichtung", "le narcissisme comme double direction". À la suite de Freud, "son fil conducteur est la notion de sexualité dans toute sa portée", d'où son intérêt pour le concept de pulsion. Son concours à la psychanalyse fait toujours référence.   "La psychanalyse n'a rien créé, au sens d'inventer quelque chose qui n'existait pas, elle n'a fait qu'exhumer, découvrir, dévoiler, jusqu'au moment où, comme une eau souterraine que l'on entend à nouveau couler, comme le sang comprimé que l'on sent à nouveau pulser, la totalité vivante peut se manifester à nos yeux". Lou Salomé n’est pas seulement une voyageuse cosmopolite, elle est aussi une femme à l’écriture frontalière, romancière, essayiste, psychanalyste, à la recherche d’une forme juste d’expression. Un questionnement sur la forme de création soutient alors son cheminement. Cette traversée des frontières entre les discours constitués renvoie à une Bildung particulière, où le voyage prend un tour aussi bien transdiscursif quegéographique et joue, par le décloisonnement qu’il opère, un rôle initiateur et formateur. Le sens du monde ne se trouve pas condensé et approprié dans un pays, ni contenu dans les frontières d’une culture. Il n’est pas davantage enclos dans le compagnonnage avec un homme, ni resserré dans les limites d’un discours, d’une forme d’expression. S’il peut s’inscrire, c’est au bout d’un cheminement entre des pays, entre des hommes, entre des discours, dans une synthèse personnelle vivante et lumineuse. On voit alors que les frontières fonctionnent comme autant de lieux de passage, de zones de franchissement. Les confrontations à l’altérité en ses formes multiples y aident et sont autant d’appuis. Interroger l’altérité, n’est-ce pas une manière de remettre en question ses propres frontières ? Le décentrement à l’œuvre dans le cosmopolitisme serait-il lisible comme une métaphore, inscription dans l’espace de l’accès à l’étrangeté propre, à l’autre de soi que met en évidence, tard venu dans la vie de Lou Salomé, le décentrement freudien ? Cosmopolitisme limité et daté, dira-t-on. Cultivé et littéraire certes, mais aussi européen et féminin, aristocratique et parlà-même en rupture avec les conventions bourgeoises. Traçant l’itinéraire d’une femme écrivain entre les cercles créateurs de son temps, le cosmopolitisme de Lou Salomé interroge sur la sociabilité qui s’y construit. S’il relie des créateurs de formes différentes, Nietzsche, Rilke, Freud en forment les constellations de rencontre les plus brillantes mais marquent aussi les étapes d’une avancée personnelle. Ce mouvementopère à l’intérieur d’un champ linguistique structuré par la langue allemande. Comme ses compagnons de route, Lou écrit en allemand. La langue commune porte les traversées créatrices et permet un partage de signifiants qui rend les échanges féconds. Cosmopolitisme qui la mène à sillonner un territoire, avant la lettre européen, à quitter son pays d’origine, la Russie, par une translation qui va progressivement se centrer sur Berlin, premier lieu de travail et de rencontres, et sur Vienne ensuite, foyer de la psychanalyse naissante et creuset de formes artistiques totalement innovantes pour l'époque ("Jung Wien, Sécession").   "La psychanalyse n'est rien d'autre qu'une mise à nu, opération que l'homme encore malade évite parce qu'elle lui arrache son masque, mais que l'homme guéri accueille comme une libération. Quand bien même, revenu à la réalité extérieure, laquelle entre-temps est demeurée inchangée, il se trouve assailli de difficultés. Car, pour la première fois, c'est la réalité qui vient rejoindre la réalité, et non un spectre un autre spectre". Elle prépare ainsi le passage au public de l’œuvre de Nietzsche en train de s’écrire et cette position, elle peut l’occuper parce qu’elle a été partie prenante, au sens strict, de sa première élaboration. Elle sait de quel lieu procède l’énonciation nietzschéenne. N’est-ce pas là une forme proche de l’échange cosmopolite que cette élaboration du don en retour que produisent l’accueil de l’altérité et sa mise au travail ? C’est bien parce que l’œuvre de Nietzsche s’est construite de lui être ainsi adressée, qu’elle peut, en la faisant passer au prisme de sa réception propre, écrire elle-même comme en miroir et aussi faire passer les textes nietzschéens à l’extérieur, afin qu’ils trouvent un public. La création serait la force subjectivée qui sort de cette saisie positive de l’altérité et de la différence. Lou sait se saisir de l’adresse qui lui est faite d’une œuvre à l’élaboration de laquelle elle participe pour faire travailler en elle l’altérité. Ainsi prend forme son écriture. Lou tient de l’autre, accueilli en sa différence, son autorisation la plus personnelle en tant qu’auteur. Un des accès féminins à l’écriture, dont on voit bien ce qu’elle a de sexué, est ici lisible, qui s’affirmera mieux encore dans la position que Lou occupera par rapport à Rilke, et aussi, différemment, à Freud. La période du compagnonnage avec Rilke correspondra à une percée de l’écrivain et à une reconnaissance internationale. Plus tard dans sa vie, le dialogue analytique avec Freud auquel nous assistons dans leur échange épistolaire soutiendra l’accès de Lou à la théorie et à la pratique analytiques. Accueillie à Paris, Lou y noue des liens qui vont la relier alors à d’autres cercles d’avant-garde à Vienne. Celui de Marie von Eschenbach, poète et romancière, l’introduit aux milieux littéraires et féminins de Vienne et au cercle de Rosa Mayrederer, féministe fort connue, peintre et écrivain, qui sera l’une des premières dans ces milieux à s’intéresser à la psychanalyse freudienne. Schnitzler, avec qui elle est en relation depuis son séjour parisien, lui ouvre l’accès au cercle des écrivains de la "Jung Wien": Beer Hofmann, Peter Altenberg, Felix Salter, Hugo von Hofmannsthal l’associent à leur groupe élégant, marqué du culte viennois de l’art pour l’art, de la réflexion sur la subjectivité favorisée par le déclin du libéralisme politique de l'époque.    "Notre propre corps n'est en effet rien d'autre que la part d'intériorité la plus proche de nous, inséparable de notre intimité, de notre identité. Mais nous en sommes aussi coupés, au point qu'il nous faut apprendre à le connaître et à l'étudier de l'extérieur comme tout autre objet". La production littéraire de Lou est, dans ces années, abondante: huit livres et plus de cinquante articles en dix ans. Des liens multiples existent entre les voyages et la production littéraire. Ce sont les revenus de cette production qui viennent financer les voyages alors que l’écriture en élabore l’apport. L’autre saisi en sa différence donne accès à l’autre de soi. Il y a, dans l’écriture de Lou, une fonction de l’étranger, de l’ailleurs. Écrire n’a pu se faire qu’après un détachement du sol natal, la Russie vers laquelle elle reviendra avec Rilke, dans sa recherche très tolstoïenne, un contact avec l’"Unheimlich". L’expérience cosmopolite touche au point le plus difficile du rapport entre les hommes. La représentation de l’altérité. La sociabilité cosmopolite apparaît comme une voie d’accès à la création, par apprivoisement de l’insociable de l’altérité. L’itinéraire personnel de Lou Andreas-Salomé, qui la mène à l’écriture et à la pratique psychanalytiques dans les vingt-cinq dernières années de sa vie, centre son univers sur l’approche freudienne: la division du sujet et la présence de "l’autre scène". Le passage à la pratique analytique marque la fin des voyages. Elle ne quittera plus guère Göttingen que pour Berlin où elle travaille alors avec Abraham et pour Koenigsberg, où se poursuivent certaines années ses analyses. Le cinq janvier 1937, Lou Andrea-Salomé meurt dans son lit. De tous les éloges funèbres, celui de Freud sera le plus éclatant. Il loue la discrétion dans le travail d’une "personnalité demeurée dans l’ombre, d’une modestie peu commune". Dans ses Mémoires, qu’elle voulut posthumes, elle écrivait: "Plus je me rapproche du terme de mon existence, plus il me devient possible d’embrasser dans son ensemble cet étrange objet qu’est une vie. Dans une certaine mesure je tiendrai compte de la chronologie, mais c’est autour de certains thèmes que j’organiserai mes souvenirs." Pudique, Lou le fut au point d’opérer un tri sévère dans ses archives, miroir sélectif, hautement narcissique, où toute émotion brute était biffée. Elle ne parlait jamais de sa propre production poétique et littéraire. Il est vrai qu'elle avait voulu expliquer l'inexplicable, et vérifier, en explorant les abîmes du rapport à l'autre, le bien-fondé de cette étrange loi: "Rester à jamais étranger l'un à l'autre dans une éternelle proximité, telle est la loi la plus profonde de la grâce. Guérir est un acte d'amour".   Bibliographie et références:   - Isabelle Mons, "Lou Andreas-Salomé, en toute liberté" - Julia Vickers, " Lou von Salomé, a biography" - Liliane Abensour, "Lou Andréas-Salomé, l’alliée de la vie" - Dorian Astor, "Lou Andreas-Salomé" - Agnès Besson, "Lou Andreas-Salomé" - Claudie Frangne, "Lou Andreas-Salomé" - Françoise Giroud, "Lou: histoire d'une femme libre" - François Guery, "Lou Salomé, génie de la vie" - Michel Meyer, "Lou Andreas von Salomé, la femme océan" - Anne Verougstraete, "Lou Andreas-Salomé et Sigmund Freud" - Inge Weber, "Andreas-Salomé, Louise, dite Lou" - Irvin Yalom, "Et Nietzsche a pleuré" - Cordula Kablitz-Post, "Lou Andreas-Salomé" (film de 2016)   Bonne lecture à toutes et à tous. Méridienne d'un soir.

Elle se nommait Marie-Madeleine Guimard. Elle a été très célèbre, non pas qu’elle fut excellente dans son domaine bien que dotée malgré tout d’une danse assez mesurée, élégante, gracieuse, légère, harmonieuse et expressive, mais elle eut une vie privée qui n’a pas manqué d’alimenter copieusement les conversations, notamment le choix de ses fréquentations, le nombre de ses amants, et son train de vie excessif, ce qui a quasiment éclipsé ce que l’on pouvait avoir à dire sur sa carrière de danseuse. Elle fut la danseuse la plus populaire de son temps, l'étoile incontestée de cette danse baroque qui culmina en France, dans la seconde moitié du XVIIIème siècle. Elle fut, en outre, l'une des plus grandes courtisanes de cette époque, comptant parmi ses amants, aussi bien Mirabeau que le duc d'Orléans. Elle fut le modèle et la maîtresse de Fragonard, qui décora son hôtel particulier. Dans son salon, se pressaient nombre d'intellectuels des Lumières, où se préparait cette Révolution qui devait lui être fatale. Elle a dominé la danse française durant vingt-cinq ans. Elle a dansé devant Louis XV et Louis XVI, et la cour, à Versailles ou Fontainebleau, et s’est illustrée dans une cinquantaine de ballets dans lesquels étaient mêlés danse et comédie. On vantait sa générosité de cœur et sa gentillesse qui étaient telles que, bien souvent, les critiques hésitaient à dire du mal d’elle et lui pardonnaient facilement tous ses excès. Elle se rendait souvent auprès des malades, ou des indigents pour les aider financièrement. Elle avait, par ailleurs, le don de la séduction, l’art de plaire, et ce malgré le fait qu’elle était très maigre, complètement à l’opposé des canons de l’époque à savoir des danseuses un peu enrobées que l’on avait l’habitude de rencontrer. Ces dernières se posaient en rivales et ne manquaient pas, toutes jalouses qu’elles étaient, de lui donner des surnoms comme "le squelette des grâces. " Qu’importe, Mademoiselle plaisait à la gent masculine. Elle est née le vingt-sept décembre 1743, à Paris. Sa mère est fille-mère, son père, un inspecteur des toiles qui ne reconnaîtra l’enfant que douze ans après sa naissance. Elle débute sa carrière de danseuse en 1758 sur la scène de la Comédie Française qui, à l’époque, possédait une troupe de ballet. Trois ans plus tard, elle entre à l’Académie Royale de musique, grâce au protectorat de Jean Dauberval, chorégraphe et maître de ballet qui fut, très tôt, son amant et lui permettra de rester assez longtempsen ce lieu où elle ne manquera pas de se faire remarquer. La demoiselle en vue fait dans l’utile et l’honoraire en amour. Elle fréquente en même temps le valet de chambre de Louis XV, Jean-Benjamin de la Borde qui lui permettra de la faire entrer à la cour et y rencontrer des personnes influentes, et Charles de Rohan, Prince de Soubise qui ne manquera pas de la couvrir de cadeaux et qui lui fera construire différentes demeures et même une petite salle de spectacle, des lieux qui n’existent plus de nos jours car ils furent détruits sous Napoléon III. Elle débute à l’Opéra dans le rôle de "Terpsichore" dans "Les fêtes grecques et romaines." Elle danse de manière expressive et se fait remarquer par son talent et sa grande coquetterie. Quatre ans plus tard, elle sera nommée première danseuse de "demi-caractère." Monseigneur Louis Jarente de la Bruyère, l’évêque d’Orléans partagera son lit et lui fera mener grand train lui aussi. Un beau jour, son généreux amant, le Prince de Rohan-Soubise en eut assez de devoir la partager avec d’autres et décida de ne plus lui allouer la pension qu’il lui versait régulièrement. Mademoiselle se laissa alors courtiser par un prince allemand qui, tout éblouit qu’il était par elle, se proposa d’éponger toutes ses dettes en échange d’un mariage. Elle s’enfuira avec lui. Soubise,dépité, partira à sa recherche et réussira à la récupérer pour la reconduire dans son fameux hôtel de la rue de l’Arcade.   La jeune fille, menue, gracile, aux traits encore puérils, toutefois outrageusement parée, inondée d'un parfum musqué, vêtue d'une robe rose largement échancrée et décolletée, un ruban noir noué autour du cou, suscitait un effet presque indécent sur de jeunes marquis poudrés, étourdis et désœuvrés. Elle débute sur scène le neuf mai 1762, à l'âge de dix-huit ans, dans le rôle de Terpsichore du prologue des "Fêtes grecques et romaines." Terpsichore, la muse de la danse, deviendra plus tard, au moment de sa plus grande célébrité, son emblème attitré. La danse que nous appelons baroque, telle qu'elle se pratique à l'époque, n'a pas grand chose de commun avec la rhétorique du ballet qui va lui succéder. Le public, en ces années-là, goûte particulièrement la danse "anacréontique", où se mêlent et parfois se fondent séquences chorégraphiées et scènes de pantomime. "La Guimard" attirera l'attention des spectateurs, très tôt, par sa grande aisance à passer d'un registre à l'autre, par la façon dont elle intègre à son art de danseuse de véritables qualités d'actrices. Se produisant pour les plus grands maîtres de son temps, Noverre, mais aussi Vestris ou Gardel, elle incarne des rôles nobles avant de se tourner vers le genre de demi-caractère, s’illustrant notamment dans "Les Caprices de Galathée"(1776), "La Chercheuse d’esprit" (1778) ou "La Fête de Mirza" (1781). Les observateurs s’accordent pour souligner qu’elle n’a jamais été "ni belle, ni même jolie." Pourtant, elle parvient à séduire le public par sa tournure incomparable et son ton exquis, occupant les devants de la scène pendant près de trente ans. Elle excelle dans la danse pantomime et porte aux plus hautes sphères le ballet "anacréontique." La danse n’est pour autant pas l’unique raison qui contribue à la notoriété de la première danseuse. Sa vie galante a nourri dès ses débuts les gazettes en tous genres. Choisissant ses amants parmi la haute société, elle s’assure ainsi de confortables revenus qui lui permettent de mener un train de vie remarquable. Il n'est rien de plus banal que d'associer la danse, aujourd'hui encore, dans l'imaginaire collectif, à des clichés de femmes entretenues, de demi-mondaines, vivant dans un climat de dépravation et de vénalité. Mais pour Marie-Madeleine Guimard, une telle vénalité faisait partie des conventions et des règles du cadre social dans lequel elle s'inscrivait. Elle avait compris qu'une telle relation privilégiée se devait de rester secrète pour ne pas attirer la jalousie des autres ballerines ni même celle des jeunes danseurs qui eux aussi tournaient autour de ses nombreux amants. Au XVIIIème siècle, le théâtre est un lieu d'intrigues, de séductions et d'aventures. Le spectacle représenté est souvent un prétexte. Les occupants des loges, peuvent le regarder du coin de l'œil, tout en poursuivant d'autres activités. De toutes les loges du théâtre de la Comédie-Française, c'est celle du maréchal prince de Soubise qui suscite le plus de rumeurs. Il est admis, on vient le voir, on lui applique l'offensant sobriquet de "Sultan" de l'Opéra, dont le corps de ballet serait le sérail. S'y retrouvent, en sa compagnie, des "danseuses en double", et même de petites novices, ballerines ou figurantes, entre lesquelles, il n'a que l'embarras du choix. Selon les rapports de police de l'époque, Soubise devient aux premiers jours de l'année 1767, le protecteur officiel de Marie-Madeleine Guimard, l'entretenant à raison de deux mille écus par mois. Commence pour elle, une vie d'aisance, de succès et de célébrité. Elle obtient de lui qu'il lui achète, indépendamment de ce qu'il lui accorde mensuellement, une maison à la campagne, dans le village de Pantin, non pas une "folie", mais une véritable demeure, entourée d'un parc et pouvant rivaliser par son luxe avec un hôtel particulier.   On commence, à la cour, à parler d'aller à Pantin comme d'un privilège, presque aussi convoité que celui d'être invité à Versailles lorsque le roi y séjourne. Les lendemains d'orgie sont délicieux. Elle n'a jamais compris pourquoi il était si répandu de soutenir le contraire. Pourquoi il est question, si souvent, de l'amertume, de la tristesse, et même parfois du dégoût, dont les fêtes de la chair seraient nécessairement suivies. Elle ne savait pas. Elle se sentait parfaitement épanouie. Comme si sa chair, plus que son cerveau, gardait le souvenir des douces folies de la nuit, et continuait à s'enrepaître, en une sorte de vibration diffuse et prolongée, se refusant à disparaître, se répandant dans tout son corps, l'emmenant à un merveilleux état d'indolence, de voluptueux engourdissement, comme ces images d'un rêve qui se perpétuent au-delà du réveil, non pas tant par leur matière, vite dissipée, que par l'éblouissement qu'elles continuent à susciter, alors même qu'on est en train de tout en oublier. Elle sent bien que ce qu'elle vit à Pantin, loin d'être un à-côté de son art officiel, simplement plus leste, plus dévergondé, en représente de fait la source officielle. Le registre où elles'enrichit, sans cesse, la gamme des pas et des mouvements qui lui ont été transmis, dans la plus grande liberté. Elle se reposait de ses ballets où le tout-Paris aristocratique du temps, y compris les princes du sang, briguait l’honneur d’être admis, où, parfois, étaient représentés des spectacles libertins et où elle ne s'embarrassait d'aucune pudeur. C’est à ce moment là que commencent les travaux de construction d’un magnifique hôtel particulier qu’elle appellera "Le temple de Terpischore", rue de la Chaussée d’Antin à Paris. L’architecte est Claude Nicolas Leroux, les décorations intérieures confiées à Honoré Fragonard. En ce lieu somptueux, elle organisera des grands dîners où seront conviés des membres de la cour et autres personnalités de la haute aristocratie. Elle donnera des spectacles dans sa salle de théâtre qui pouvait recevoir jusqu'à cinq-cents personnes. Elle rivalisera d’élégance et de bon goût dans le choix de ses toilettes, avec les femmes qui se trouvaient là. Un lieu susceptible de rivaliser, tout à la fois, avec les salons les plus éclairés, ceux où on ne s'embarrasse pas de préjugés, où fermentent les idées nouvelles, à l'image du salon de Madame de Montesson ou celui d'Élie de Beaumont. Elle avait commencé à espacer, puis à annuler, ces soirées d'un autre type, régulières elles aussi, où ses confrères et consœurs de l'Opéra la retrouvaient, bien auparavant, pour des réunions qui duraient jusqu'à l'aube, et où tous les débordements étaient permis. Fragonard, pour ce genre de plaisir, semblait largement lui suffire. Elle caressait l'idée, même de le prendre officiellement pour amant de cœur. Elle aimait l'écouter parler longuement de sa peinture, de la nécessité de savoir se contenter d'esquisser certaines figure, sans les achever, ou de créer des contrastes qui ne soient pas seulement des jeux d'ombre et de lumière comme Rubens.   En 1774, Louis XV meurt. Le Dauphin, sous le nom de Louis XVI, est couronné et Marie-Antoinette devient reine de France. Marie-Madeleine Guimard, qu'on appelait "La Guimard", qui connaît bien, par le comte d'Artois, tout l'intérêt que la jeune souveraine lui porte, se met à espérer d'être reçue à la cour. Hélas, il lui faut déchanter. Le nouveau couple royal, pour un temps, se croit tenu de rétablir un semblant d'ordre et de décence. L'entourage royal, encouragé par le parti dévot, tente d'imposer des normes de décence et de moralité. "La Guimard" répond par un défi, une surenchère en sens inverse. Elle fait jouer, dans son théâtre, "Les fêtes d'Adam", une pièce où sous prétexte de représenter le paradis terrestre, tous les acteurs et danseurs des deux sexes sont presque intégralement nus. Le spectacle avait déjà été exécuté, autrefois à Saint-Cloud, pour une soirée privée du Régent. Au début de l'année 1785, au moment où elle se distingue dans l'opéra "rabelaisien" de Grétry et du comte de Provence, elle subit le contrecoup de la banqueroute du prince de Rohan-Guéménée. C'est pour son protecteur, Soubise un embarras financier grandissant. C'est alors, que volontiers accusée de cupidité par ses détracteurs, Marie-Madeleine Guimard, se révèle d'une grande générosité. Non seulement, elle renonce aussitôt, à tout ce qu'il lui accordait mais elle incite celles des danseuses pensionnées de l'Opéra qui bénéficiaient des prodigalités du "Sultan", à reverser leur pension aux créanciers du prince de Soubise. En 1785, elle doit se séparer de son "Temple de Terpsichore" à Paris car l’argent finit par lui manquer en raison du train de vie coûteux qu’elle mène. Elle organise une loterie privée pour le vendre. C’est une marquise qui en fera l’acquisition pour le revendre à un banquier. En 1789, elle abandonne sa carrière de danseuse à l’opéra et épouse Jean-Etienne Despréaux qui était danseur lui aussi, chorégraphe, poète et professeur de danse de Madame du Barry. Curieusement, il n’est pas fortuné, ni influent, mais elle lui trouve beaucoup d’esprit. Elle apprécie de pouvoir partager avec lui les plaisirs de la vie et sa passion de la danse. Elle aurait pu, dans le sillage du duc d'Orléans, et dans la continuité de l'esprit éclairé dont son salon était crédité, sinon adhérer à la Révolution, du moins tenter de s'y insérer. Son intimité avec Mirabeau ou Talleyrand lui aurait alors assuré, du moins pendant un temps, de ne pas être inquiétée. Un tel destin, pour elle, était très envisageable. Or, il n'en a rien été. De même, elle a refusé d'émigrer. Elle était ni révolutionnaire, ni contre-révolutionnaire. Tout se passe comme si l'Histoire, à partir de 1789, ne la concernait plus. Le jour où elle apprend que la reine vient d'être exécutée, elle ne manifeste, étrangement, aucune tristesse, ni aucune indignation particulière. Thermidor marque un tournant. Une véritable fringale de fêtes, de bals envahit Paris. L'Histoire, autour d'elle se déchaîne à nouveau, Consulat, coup d'État, Empire, guerres incessantes. Grâce à l’appui de Joséphine de Beauharnais, son mari reprendra ses cours de professeur de danse et comptera parmi ses élèves Désirée Clary, Caroline Bonaparte ainsi que les enfants de Joséphine . Il deviendra organisateur de spectacles, maître à danser de la nouvelle impératrice Marie-Louise, tout en continuant d’écrire des poèmes et chansons. Grâce à l’empereur, il obtiendra le poste de professeur de danse au Conservatoire de musique ainsi que répétiteur des cérémonies de cour. Quand la monarchie est rétablie, cela n'éveille en elle, pas le moindre intérêt. Lorsque Marie-Madeleine Guimard meurt, le quatre mai 1816, aucun journal ne le mentionne. Tout le monde l'a oubliée.    Bibliographie et références:   - Jean-Étienne Despréaux, "Mémoires" - Paul Lacome, "Étoiles du passé" - Guy Capon et Robert Yves Plessis, "Les Théâtres clandestins" - Olivier Blanc, "Portraits d'artistes au temps de Marie-Antoinette" - Arsène Houssaye, "Princesses de comédie et déesses d’opéra" - Benjamin Constant de Rebecque, "Mémoires" - Jean Raspail, "Les fêtes du Régent" - Pierre Gaxotte, "Louis XV" - Jacques Dupret, "La Guimard à Pantin" - Edmond de Goncourt, "La Guimard" - Philippe Le Moal, "Dictionnaire de la Danse"   Bonne lecture à toutes et à tous. Méridienne d'un soir.

"Le mercredi vingt-quatre avril 1793, une jeune fille de quinze ans, belle comme le jour, timide et modeste comme il se devait, se mariait dans une capitale en effervescence. Une vie de petites coquetteries n’élève en rien l’âme. Elle vaudrait beaucoup mieux si d'aventure, elle n’avait pas alors dépensé tout son cœur et son âme de tous les côtés". L'élégante et vaporeuse Juliette Récamier, passion de maturité de François-René de Chateaubriand, qui tenait un salon littéraire sous le Directoire recevant les sommités du monde artistique et politique parisien, fut surnommée dès son apparition dans le monde, "la Belle des belles." La "Grâce" fut beaucoup dans la réconciliation de l'auteur toujours tourmenté des "Mémoires d'outre-tombe" avec lui-même comme avec les autres. C’est elle qu’il a choisie comme sa femme, son lien stable. Les amateurs de littérature savent qu'elle fut aimée de Chateaubriand. Les plus érudits ajoutent qu'elle fut proche de Madame de Staël. Les historiens se souviennent que cette ancienne "merveilleuse" du Consulat eut avec Bonaparte des relations fort aigres. Mais la vie de Juliette Récamier (1777-1849) est loin de se limiter à ces épisodes, si remarquables soient-ils. Dès le début, l'histoire a de quoi passionner. Juliette naît en 1777, et selon l'état civil, est la fille d'un notaire lyonnais, Jean Bernard, et de son épouse Marie-Julie Matton. En 1793, à quinze ans, elle épouse Jacques Récamier, quarante-deux ans, né en 1751, banquier de son état. Or, Jacques Récamier, longtemps l'amant de Marie-Julie, est, selon toute vraisemblance, le père naturel de Juliette. Il épouse sa fille en pleine Terreur pour lui transmettre sa fortune au cas où il n'échapperait pas à la guillotine. Le banquier prévoyant n'est finalement pas inquiété. Il s'enrichit encore et devient régent de la Banque de France en 1800. Juliette peut alors, tout à son aise, devenir la reine de l'époque. Avec un sens remarquable des circonstances et des enjeux, elle utilise tous les moyens techniques que lui offre son temps pour construire et diffuser son image. À partir de 1797, Juliette Récamier, alors âgée de dix-neuf ans, commence sa vie mondaine, tenant un salon qui devient bientôt le rendez-vous d'une société choisie. La beauté et le charme de l'hôtesse, toujours très élégante, l'une des "Trois Grâces" du Directoire, avec Joséphine de Beauharnais et Madame Tallien, lui suscitent une foule d'admirateurs. Le cadre de l'hôtel particulier de Jacques Necker, ancienne rue de la Chaussée-d 'Antin, acquis en octobre 1798 et richement décoré par l'architecte Louis-Martin Berthault, ajoute à la réputation de ses réceptions. Elle est l'une des premières à se meubler en style "étrusque" et à s'habiller "à la grecque." L'influence de Madame Récamier est notable dans la diffusion du goût pour l'Antique qui allait prévaloir sous l'Empire. L'hôtel Récamier acquiert une renommée telle qu'il devient rapidement une grande curiosité parisienne.   "Il a l’imagination vive, la repartie heureuse, de la gaîté et un ensemble de qualités qui le font aimer de ceux qui le connaissent. La bienveillance qu’il inspire a toujours fait son bonheur. Il a le caractère et le cœur d'un gentilhomme". "Elle se laissait habiller tandis qu'elle causait en roulant dans ses doigts, une branche verte, entre tout à coup Madame Récamier, vêtue d'une robe blanche. Elle s'assit au milieu d'un sofa de soie bleue. Je me demandais si je voyais un portrait de la candeur ou de la volupté. Je n'avais jamais rien inventé de pareil et plus que jamais je fus découragé. Mon amoureuse admiration se changea en humeur contre ma personne. Je crois que je priais le Ciel de vieillir cet ange, de lui retirer un peu de sa divinité, pour mettre entre nous moins de distance." Juliette Récamier, dès son apparition dans le monde, fut appelée la "Belle des Belles." Forçant l'admiration par son charme légendaire, une gracieuse et vaporeuse silhouette, vêtue de blanc. Séduisante et séductrice, elle traîna tous les cœurs après soi. Elle est la Dame secrète des "Mémoires d'Outre-Tombe." Elle a inspiré les plus belles pages. Elle fut l'amour de sa maturité, la lumineuse tendresse de sa vieillesse. Mais, avant de rencontrer François-René de Chateaubriand, Juliette avait vécu. Julie-Adélaïde Bernard est née le 3 décembre 1777 dans le milieu aisé de la bourgeoisie financière. Sa famille appartenait à la bourgeoisie de Lyon. Jean Bernard était notaire royal. Il était, dit-on, assez bel homme, faible, bon, et même débonnaire. Il fut immédiatement dominé par sa femme, singulièrement jolie, éclatante, à l'esprit, à coup sûr, plus vif que son mari. Elle subjuguait son petit monde et menait la barque familiale. Juliette lui sera passionnément attachée. Julie, enfant choyée qui porte le même prénom que sa mère devient Juliette afin de les distinguer. Elle est élevée à Villefranche puis à Lyon dans le couvent de la Déserte. Douée pour les études, elle reçoit une éducation irréprochable, apprend la musique, chante et joue du piano et de la harpe, étudie Voltaire et Montaigne, s’initie à l’italien et lit Shakespeare, enrichissant brillamment son esprit de toutes les leçons intellectuelles qu’il convient de dispenser aux enfants bien nés. "Ce bon vivant était célibataire et avait des liaisons, ce que la prude sœur traduit alors par: son cœur naturellement sensible avait très souvent éprouvé des sentiments assez vifs, mais peu durables pour plus d’une délicate femme".   "Tous font des hymnes sur son incomparable beauté, son active bienfaisance, sa douce urbanité. Beaucoup de gens l'ont vantée comme très spirituelle. Mais peu de personnes ont su découvrir, à travers la facilité de son commerce habituel, la hauteur de son cœur, l'indépendance de son caractère, l'impartialité de son jugement et la justesse de son esprit. Quelquefois je l'ai vue dominée, je ne l'ai jamais connue influencée." Sa mère, Marie-Julie Matton, issue d'un milieu aisé, également originaire de Lyon, est une femme coquette et intelligente. Son père, notaire royal influent à Lyon qui a pris un peu plus d’assurance dans les affaires est aidé de surcroît par l’habille et énergique diplomatie de son épouse. Il jouit à présent d’une haute position administrative devenant ainsi Receveur Général des Finances. Les Bernard savent s’entourer des personnalités de grande influence. C’est ainsi que Jean Bernard bénéficie de la protection d’Alexandre de Calonne, l’homme en charge du redressement des finances de l’état, son prédécesseur Necker a laissé un gigantesque déficit de 50 millions. Calonne qui paiera cher par la suite sa proposition de taxer les "privilégiés" afin d’éponger les dépenses royales. Cependant un mystère flotte autour de cette famille heureuse. La présence constante de deux amis proches que seule la mort séparera. D'une part, un ami de jeunesse de M. Bernard, Pierre Simonard, nettement plus autoritaire et sans doute aussi plus intelligent. Les deux amis se marièrent en même temps. Devenu veuf, il vécut chez les Bernard avec son fils. Un autre homme, tout aussi proche, complétait ce quatuor. Jacques Rose Récamier, très beau, cultivé, intelligent mais de mœurs assez légères, disait-on, très XVIIIème siècle. Il avait eu une liaison avec Mme Bernard qu'il aimait. Leur entourage ne l'ignorait pas. Ces trois hommes resteront intimement liés jusqu'à la fin et veilleront sur la belle Juliette. On les surnomma pour cette raison les "pères nobles." "Le talent et le génie attiraient Mme Récamier plus sûrement que l’aimant attire le fer. Comme il était dans sa nature d’aimer ce qu’elle admirait, elle se trouva liée aux deux génies littéraires de l’époque: Mme de Staël fut son amie, presque sa sœur, Chateaubriand l’homme avec lequel elle devait former, à travers bien des vicissitudes, un couple".    "Partez, prince, suivez vos genreux desseins, rendez de mon pouvoir Athènes tributaire. J’accepte tous les dons que vous voulez me faire. Mais cet empire enfin si grand, si glorieux, n’est pas de vos présents le plus cher à mes yeux." Juliette vécut une petite enfance très douce. En 1786, quand M. Bernard fut nommé à Paris receveur des finances, la famille s'installa dans un hôtel particulier rue des Saints-Pères. Simonard, veuf, et son fils vivaient avec eux. Très vite, M. Récamier les rejoignit. Le bel hôtel particulier qui abrite la famille Bernard au treize rue des Saint Pères, niché en plein cœur de Saint Germain des Prés, accueille les hommes politiques, les écrivains, les artistes et les financiers de la capitale. La maîtresse des lieux les reçoit avec faste et luxe ostentatoire. Enfant, Juliette fut pensionnaire à Lyon. Puis elle rejoignit sa famille à Paris. Elle reçut une excellente éducation classique et de nombreuses lectures formèrent son intelligence. La littérature fera partie de sa vie. Elle apprit l'anglais, l'italien. Elle était très douée en musique, jouait fort bien du piano et de la harpe et travaillait le chant. Elle étudia le dessin et l'aquarelle auprès de maîtres célèbres. Et bien sûr, sa mère veilla à son apprentissage mondain. Elle lui apprit l'art de plaire. Mais en ce domaine, la très jeune fille avait des dons innés. Puis vinrent les temps troublés. La famille voyait avec sympathie le début de la révolution et partageait, avec tant d'autres, l'espoir de voir naître un monde nouveau. Mais, très vite, la révolution changea de visage. Après la fuite à Varennes et le procès du roi, la situation s'aggrava. Le quatuor se savait désormais en danger, d'une part à cause de leurs liens avec certains milieux aristocratiques et, d'autre part, parce qu'ils étaient très riches. "Toutes les femmes qui ont voulu l’imiter sont tombées dans l’intrigue et dans le désordre, tandis qu’elle est toujours sortie pure de la fournaise où elle s’amusait à se précipiter. Cela ne tient pas à la froideur de son cœur, sa coquetterie est fille de la bienveillance et non de la vanité. En réalité, elle a bien plus le désir d’être aimée que d’être admirée".    "Ma foi, j'y renonce, elle m'a fait passer une journée diabolique. C'est une linotte, sans mémoire, sans discernement, sans préférence. Si elle m'aimait, je m'en lasserai. Pour obtenir quelque chose en amour, n'exigeons jamais rien." Ainsi fut décidé son mariage avec Jacques Récamier. Il avait quarante-deux ans, elle allait avoir seize ans. Ils se marièrent en avril 1793. Est-ce à ce moment-là que sa mère lui apprit que Jacques Récamier était son vrai père ? Elle n'en fut pas troublée et accepta très simplement. Il avait été présent dans toute sa jeune vie. Son mari continua de mener sa vie privée hors de son foyer mais il lui donna son nom, sa fortune et sa protection. Il la combla de présents, la gâta comme une fille chérie, lui offrit tout ce qu'elle voulait. Ce fut un mariage blanc. Cet étrange couple fut uni par une affection sincère et profonde. Par miracle, et grâce à la protection de Barère et d'autres amis francs-maçons, ils sortirent tous indemnes du cauchemar de la Révolution. Après la Terreur, une frénésie de vivre s'empara de la société, comme si elle voulait oublier les jours tragiques de la Terreur. Ce fut le temps des "Merveilleuses", les belles années de Madame Tallien, de Joséphine de Beauharnais mais, contrairement à ce qui a été dit, Juliette ne partagea pas cette vie légère et libertine. Elle ne fréquentait pas les lieux de plaisir mais un lycée qui réunissait un auditoire choisi. Un vieil ami de la famille, La Harpe y enseignait la littérature. M. Récamier vivait près de la place des Victoires. "À l’issue de la Révolution, la bourgeoisie avait sans doute assis son pouvoir, mais la société n’était pas encore recomposée. Les nouveaux riches tenant le haut du pavé ne pensaient qu’à augmenter leur fortune, à s’amuser".    "Jamais on n'a aimé comme je vous aime, jamais on n'a souffert autant que je souffre. Ô mon Dieu, je n'en puis plus. Vous m'avez trop blessé, trop humilié, trop marché dessus. Parce que je vous aime, j'ai tout perdu à vos yeux." Au printemps de l'année 1797, quand Juliette apparût parmi les élégantes aux défilés de Longchamp, la foule des badauds la contempla ébahie. Quand, en décembre 97, le Directoire donna une fête en l'honneur de Bonaparte, revenu victorieux d'Italie, Juliette prit place avec sa mère sur les banquettes réservées. Profitant d'un moment où Barras parlait à Bonaparte, elle se leva pour le voir mieux et, devant sa beauté, un murmure d'admiration parcourut la salle. Cette rumeur n'échappa pas à Bonaparte. Il lui lança un regard dont elle ne put soutenir la dureté. Elle ne déteste pas être le point de mire, mais elle tranche sur le monde disparate du Directoire. Elle a créé son propre style. Son signe distinctif est le blanc, dans toutes ses nuances. Elle ne porte jamais de diamants mais des perles. À une époque d'ostentation, elle se singularise en refusant tout étalage de sa richesse. En 1798, au sortir du Directoire, Juliette refait entièrement la décoration de l’hôtel particulier que son époux vient d’acheter à Necker, le père de Madame de Staël. Depuis leur première rencontre, Mesdames de Staël et Récamier sympathisent très vite, elles partagent beaucoup d’affinités, la politique, les arts et les lettres, et une grande sagacité quand au monde qui les entoure. Une amitié profonde s’installe entre les deux femmes. Germaine était une femme de génie, une nature d'exception. Brillante, elle avait déjà beaucoup fait parler d'elle. Entre ces deux personnalités si différentes, la sympathie fut immédiate. Juliette, habituée à l'adulation des hommes, n'était pas fâchée de voir une femme, illustre de surcroît, sensible à son charme. Pour Germaine, qui malgré tout son esprit, se désolait de n'être pas jolie, Juliette apparaissait comme la femme qu'elle aurait voulu être. Avec son étonnante beauté, son charme indicible, sa coquetterie, Juliette entra pour toujours dans la vie de Germaine. Les deux femmes se complétaient. Elles le savaient. Juliette était fascinée par l'intelligence, la culture et le tempérament explosif de sa nouvelle amie.    "Les premières années du Directoire virent le triomphe des modes extraordinaires lancées par les merveilleuses et les muscadins, jeunesse toute dorée qui, pour avoir manqué de perdre la tête, l’avait alors tout à fait tournée". "Pardon, j’ai peut-être tort à quelques égards, mais dans une situation cruelle, est-il étonnant qu’on soit susceptible ? Et si vous vouliez, je ne le serais pas. Un mot de vous remet du calme dans mon âme, et de la raison dans ma tête." Juliette va jusqu’à suivre Madame de Staël dans son exil en Suisse au château de Coppet, son amie est poursuivie par la police de l’autoritaire Napoléon, le premier empereur des français, qui n’a pas apprécié du tout son ouvrage "Mémoire pour la défense de Marie-Antoinette, Épître au malheur" et qui, touché dans son impérial amour propre, a contraint Madame Récamier à fermer son salon parisien parce qu’elle ne voulait pas, par l’entremise de Fouché, être dame d’honneur de la cour impériale. Son refus face à Napoléon l’amène à passer dans l’opposition, le salon qu’elle tient au château de Coppet avec Madame de Staël étant ouvert aux artistes et politiques opposants à l’Empereur, elle sera au courant de tous les complots fomentés contre Napoléon. Ce qui ne l’empêche pas d’y accueillir avec philosophie les célébrités partisanes de l’impérialisme. De retour en France, toute l’élite du nouveau régime se bouscule dans le salon de l’hôtel Necker, Madame Récamier entraîne dans son sillage un groupe d’adorateurs toujours plus nombreux, les Montmorency, Lucien Bonaparte, Balzac, Constant, Moreau et Bernadotte et bientôt Chateaubriand. "Le costume grec, un temps laissé aux actrices et aux filles, gagna toute la gent féminine, en partie parce qu’il offrait l’avantage de supprimer les inconfortables corsets. Partout, à Paris et à Versailles, la sensualité gagna les esprits".    "Mais pourquoi faut-il toujours que j’arrache ce mot ? Je vous jure que cela me tue, que je suis plus épuisé d’une nuit de telles souffrances, que de je ne sais quelles douleurs dont tout le monde frémirait. Quelle année, grand Dieu !" C'est en faveur de ses amis malheureux et persécutés qu'elle va, calmement, sans éclat intempestif, mais avec une fermeté que rien n'ébranle, s'occuper de les défendre. Fouché qui a remarqué l'intérêt de Napoléon pour la belle Juliette, lui fait des avances afin qu'elle accepte de faire partie de la Cour impériale. Juliette se dérobe. L'Empereur avait de la sympathie pour elle mais ses liens bien connus avec la baronne de Staël lui déplaisent fort, de même que son appui sans réserve aux amis qu'elle sent menacés et pour lesquelles elle ne cesse de faire intervenir ses relations. En 1805, M. Récamier fit faillite. À l'origine une crise financière en Espagne et dans les colonies. Le mari de Juliette aurait eu besoin d'un prêt du gouvernement qui lui fut refusé. Mesquine vengeance d’un grand homme ? De nombreuses petites banques furent entraînées dans cette faillite. Mr Récamier, dont la compétence et l'honnêteté n'étaient pas en cause, se défit de tout. Juliette ne garda qu'un pied à terre dans son ancien hôtel. Ce brutal revirement ne l'affecta pas vraiment. "Ceux-ci disparurent, puis les jupons, puis les manches, puis les souliers remplacés par des semelles attachées de rubans croisés. Les tuniques d’abord légères devinrent immatérielles. La mode sembla alors échauffer bien des esprits". "Toute la nature me semble me repousser. L’abandon, l’opprobre, la malédiction semblent m’entourer. Il s’en est peu fallu que je ne me tuasse cette nuit. J’ai voulu prier, j’ai frappé la terre de mon front. J’ai invoqué la pitié céleste. Point de pitié." La banqueroute avait mis fin à une période d'enchantement, de fêtes perpétuelles mais elle ne le regrettait pas. Elle était au creux de la vague et sa santé s'en ressentait. En 1819, Juliette se retire à l’Abbaye-aux-Bois, Couvent situé au seize rue de Sèvres et y ouvre un salon au décor théâtral drapé de vaporeuses soieries blanches dans lequel elle donnera de somptueux bals. Sans perdre le rayonnement qu’elle avait dans son salon de l’hôtel Necker, elle évolue dans une aura de douceur et d’intelligence parmi ses fidèles sympathisants, Musset, Ampère, Sainte Beuve, Delphine Gay de Girardin, Hugo, Mérimée, Lamartine, Tocqueville et son cher Chateaubriand, ami de toujours. Les années passant, elle se lie de plus en plus avec Chateaubriand, celui qu’elle aime et admire, celui à qui elle apporte tendresse et fidélité, celui qui devient le centre et le Dieu de l’Abbaye-aux-Bois, celui qui l’aime mais la fait souffrir au point qu’elle se sauve à Rome d’où elle finit pourtant par revenir, celui qui lui propose enfin de l’épouser mais auquel elle refuse délicatement. "Ce je n’en suis point amoureux fait quelque peu pendant à la phrase de Mme de Staël disant de son mari. De tous les hommes que je n’aime pas, c’est celui que je préfère. Les deux femmes épousèrent sans les avoir choisis des hommes plus âgés auxquels elles ne furent jamais liées par des liens amoureux. Ainsi basculèrent alors leur vie".    "Mais vous pouvez tout. N’est-ce rien que de sauver un être qui vous aime ? De sauver sa vie et peut-être son âme ? Car s’il y a un dieu, c’est mal de se révolter comme je le fais, de chercher du secours contre le sort, contre l'amour." La belle oratrice en a vu passer des personnalités, chacun de ses salons représentant le microcosme d’une société disparate, des royalistes, des jacobins, des impérialistes, des républicains, des romantiques, des poètes, des écrivains, des journalistes, des peintres, des sculpteurs, des musiciens, hommes de tous bords et de toutes nationalité. Tous ont aimé et admiré la maîtresse des lieux qui dominait la vie mondaine du Consulat. Et brusquement voici qu'un autre homme s'en avise. Qui l'eût crû ? C'est Benjamin Constant. Il la connaît depuis plus de seize ans et voici qu'il tombe amoureux d'elle. Caroline Murat lui avait demandé de trouver une plume brillante pour écrire un mémoire. Elle avait alors pensé alors à Benjamin. Elle se veut convaincante, elle marivaude, sans doute, et Benjamin de s'enflammer. Il se prend pour elle d'une passion violente, dont témoignent ses lettres véhémentes mais aussi son "Journal." Il n'est plus qu'une suite de plaintes, de cris douloureux. L'inaccessible Juliette est navrée, d'une part parce qu'elle a beaucoup d'affection pour lui, d'autre part, parce qu'il n'est pas dans son style d'éconduire brutalement ses tendres soupirants. "La figure d’une femme, quelles que soient la force et l’étendue de son esprit, quelle que soit l’importance des objets dont elle s’occupe, est toujours une raison ou un obstacle dans l’histoire de sa vie. On peut alléguer à la décharge de la jeune Juliette sa réelle naïveté. Ignorante des réalités de la sexualité, les redoutant sans doute, elle jouait sans le savoir avec le feu. Avec le temps, cette excuse s’estompera. Si Juliette eut en matière de coquetterie bien des accusateurs, elle eut aussi des défenseurs, sa coquetterie paraissant d’autant plus inoffensive qu’elle était chaste". "J’ai voulu prier. J’ai frappé la terre de mon front. J’ai invoqué la pitié céleste. Point de pitié. Il se peut que je commence à devenir fou. Une idée fixe, depuis un an, peut bien rendre tel. Quelle année, grand Dieu ! Madame, je vous adore." Celle qui n’eut que des admirateurs est tombée il y a trente ans dans le piège de l’admiration, une admiration sans limite durant toutes ses années jusqu’au dernier souffle en 1848 de son cher amant François-René de Chateaubriand et qu’elle ira rejoindre le onze mai de l’année suivante. À partir de 1840, la santé de Juliette Récamier décline et sa vue baisse notablement. Elle mène alors une vie de plus en plus retirée. Quand l'épidémie de choléra sévit en 1849, elle quitte l'Abbaye-aux-Bois pour aller chez sa petite-nièce, Amélie Lenormant, qui habite près du Palais-Royal. Frappée par la maladie, c'est là qu'elle meut, le 11 mai 1849, à l'âge de soixante-onze ans. Elle est inhumée au cimetière Montmartre.   Bibliographie et références:   - Catherine Decours, "Juliette Récamier, ou la séduction" - Léna Widerkher, "Juliette Récamier, muse et mécène" - Françoise Wagener, "Madame Récamier" - René de la Croix de Castries, "Madame Récamier" - Édouard Herriot, "Madame Récamier et ses amis" - Benjamin Constant, "Lettres de B. Constant à Madame Récamier" - Amélie Lenormant, "Correspondance de madame Récamier" - Jean-Marie Rouart, "Une femme d'influence, Madame Récamier" - Virginie Ancelot, "Les Salons de Paris" - Auguste Jal, "Dictionnaire de biographie et d'histoire" - Julie Bertrand, "Madame Récamier" - Pascal Weigger, "Madame Récamier"   Bonne lecture à toutes et à tous. Méridienne d'un soir.

"Je fais certainement de la peinture et de la sculpture et cela depuis toujours, depuis la première fois que j'ai dessiné ou peint, pour mordre sur la réalité, pour me défendre, pour me nourrir, pour grossir, grossir pour mieux me défendre, pour mieux attaquer, pour accrocher, pour avancer le plus possible sur tous les plans, dans toutes les directions, pour me défendre contre la faim, contre le froid, contre la mort, pour être le plus libre possible, le plus libre possible pour tâcher, avec les moyens qui me sont aujourd'hui les plus propres, de mieux voir, de mieux comprendre ce qui m'entoure. On peut comparer le monde à un bloc de cristal aux facettes innombrables. Selon sa structure et sa position, chacun de nous voit certaines facettes. Tout ce qui peut nous passionner, c’est de découvrir un autre tranchant, un nouvel espace". Alberto Giacometti (1901-1966) fait partie des principaux sculpteurs modernes de l'après-guerre, mais fut aussi peintre et dessinateur. On le compte parfois parmi les artistes de l'école de Paris. Personnalité artistique forte, il a traversé avec grâce l'époque surréaliste avant de trouver une voie personnelle tournée vers la forme humaine. Ses silhouettes se singularisent par leur caractère filiforme, voir leur dissolution dans l'espace. Giacometti a travaillé sur la notion d'échelle, primordiale chez lui. Il fut l'un des plus grands du XXème siècle, au même titre que Picasso. Alberto Giacometti est né dans le petit village de Borgonovo dans le canton suisse des Grisons le dix octobre 1901. Il passe ses premières années scolaires dans le village voisin de Stampa. Il a une enfance heureuse. Son père qui est artiste l'initie au travail de peintre dans l'atelier, son parrain, le peintre Cuno Amiet lui enseigne les dernières techniques, et les autres membres de sa famille contribuent à son développement artistique en posant pour lui en tant que modèles. Peu de temps avant d'obtenir son diplôme d'étude secondaire, Giacometti abandonne l'école en 1919 pour se consacrer entièrement à l'art. Il est l'aîné de quatre enfants. Son frère Diego nait en 1902, sa sœur Ottilia en 1904, son dernier frère, Bruno, en 1907. Sa première sculpture, exécutée dans les années 1913-14, est un buste de son frère Diego. En 1920 et 1921, Alberto Giacometti voyage en Italie. Il découvre des villes, Venise, Padoue, Rome, Florence et Assise, mais aussi des peintres, Le Tintoret, Giotto et Cimabue, qui le marquent pour le restant de sa vie. C'est lors d'un de ces voyages qu'il fait la connaissance d'un vieil Hollandais qui mourra sous ses yeux. Il dira que cette triste expérience a transformé son rapport au monde, donnant à son art, un caractère très souvent dépouillé, inquiet et onirique, retravaillant sans cesse la forme symbolique du réel.   "Seule la réalité crue est capable de réveiller l'œil, de l'arracher à son rêve solitaire, à sa vision, pour le contraindre à l'acte conscient de voir, au regard". Décidé à rejoindre Paris, il arrive le sept janvier 1922. Il loge dans l'atelier d'Archipenko et fréquente assidument l'atelier d’Antoine Bourdelle avec qui il travaille jusqu'en 1927, à l’Académie de la Grande Chaumière, à Montparnasse. Il vit très seul et visite le Louvre. Il découvre le cubisme, l’art africain et la statuaire grecque et s'en inspire dans ses premières œuvres. Ses sculptures sont en plâtre, parfois peintes ou coulées en bronze, technique qu'il pratiquera jusqu'à la fin de sa vie. Il emménage alors en octobre 1926, au quarante-six, rue Hippolyte-Maindron, dans le quatorzième arrondissement, dans la "caverne-atelier" qu'il ne quittera plus, malgré la petite taille et l'inconfort des lieux. Son frère Diego le rejoint de façon permanente en 1930. Bien que l'essentiel de sa production soit fait à Paris, Giacometti retourne régulièrement en Suisse où il travaille dans l'atelier de son père à Maloja, hameau de Stampa. En 1925-1926, il fréquente Henri Laurens et Jacques Lipchitz. En 1927 et 1928, Giacometti expose ses premières œuvres au Salon des Tuileries. L'artiste obtient ses premiers succès grâce à des oeuvres abstraites: des têtes et des figures aplaties, à la surface lisse, marquées de faibles dépressions qu'il appelle "plaques" ("Femme cuiller", 1926). Il crée des objets qui sont des évocations de violence, de sexe et de mort ("Femme égorgée", 1932). L'artiste se rapproche des surréalistes et expose, à partir de 1930, aux côtés de Joan Miró et Jean Arp, à la galerie "Pierre" avec laquelle il a passé un contrat en 1929. Il rencontre Tristan Tzara, René Crevel, Louis Aragon, André Breton, Salvador Dalí, André Masson. Il adhère officiellement au groupe surréaliste parisien en 1931. Il crée des gravures et des dessins pour illustrer des livres de René Crevel, Tristan Tzara et André Breton. Il se présente tel un sujet en "chantier" permanent, remettant sans cesse en cause son appréhension du réel, apportant sa marque à une épaisseur anthropologique du visible. Sartre, dont Giacometti a exécuté douze portraits, et qui fréquentait son atelier, évoque les dessins préparatoires de ses sculptures. Il ressent les statues de Giacometti comme des "grumeaux d’espace", restes d’une terreur devant un visible qui déclare pourtant renouveler sa visibilité.   "Je n'avance qu'en tournant le dos au but, je ne fais qu'en défaisant. La sculpture est l'interrogation. Le dessin est la base de tout et dans un incendie, entre un Rembrandt et un chat, je sauverais le chat". Avec le groupe surréaliste, il participe d'octobre à novembre 1933 au sixième salon des surindépendants en compagnie de Man Ray, Yves Tanguy, Salvador Dali, Max Ernst, Victor Brauner, Joan Miró, Vassily Kandinsky, Jean Arp et Meret Oppenheim. C'est au cours de ce salon qu'il présente son œuvre "L'oiseau silence". L'inquiétude, l'incertitude, la violence sont les caractéristiques des sculptures de cette époque: "Cube", "Femme qui marche", "Femme couchée qui rêve", "Femme égorgée", "Cage", "Fleur en danger", "Objet désagréable à jeter", "Table", "Tête crâne", "Pointe à l'œil", "Le palais à quatre heures du matin". La plupart de ses œuvres de jeunesse ou surréalistes sont connues par leur édition en bronze faite dans les dix dernières années de la vie de l'artiste. Il expose aux galeries Pierre Loeb et Georges Petit. sa première exposition personnelle à lieu en mai 1932 à la galerie Pierre Colle. Son père, Giovanni Giacometti, décède le vingt-cinq juin 1933 à Glion, près de Montreux en Suisse. Accablé de chagrin, Alberto ne peut conduire les funérailles. L'année suivante il organisera une grande exposition en souvenir de son père. Dès 1939, les figures sculptées deviennent très petites. En décembre 1941, il quitte Paris pour Genève. Parti rendre visite à sa mère, Annetta, il ne peut pas rentrer en France, les allemands ayant supprimé les visas. Diego surveillera l'atelier pendant son absence. En septembre 1945, Giacometti revient à Paris où il est rejoint, en 1946, par Annette Arm, rencontrée à Genève en 1943 et qu'il épouse le dix-neuf juillet 1949 à la mairie du quatorzième arrondissement. C'est pendant cette période que s'affirme le nouveau style de Giacometti, caractérisé par de hautes figures filiformes. Sa production est stimulée par les relations qu'il renoue avec le marchand new-yorkais Pierre Matisse qui accueille sa première exposition personnelle d'après-guerre en janvier 1948. Grâce à la reconduction des accords passés avec le galeriste, Giacometti peut faire fondre en bronze, huit de ses nouvelles sculptures dont "L'Homme qui pointe", un premier "Homme qui marche". Suivent, "Les Trois Hommes qui marchent" et "Les Places". “L'idée de faire une peinture ou une sculpture de la chose telle que je la vois ne m'effleure désormais plus. Maintenant, c'est comprendre pourquoi ça rate, que je veux.” Une première rétrospective a lieu en 1950 à la Kunsthalle de Bâle. La même année, "La Place", achetée par le Kunstmuseum de Bâle, est alors la première des œuvres de Giacometti à entrer dans une collection publique. En novembre, il expose encore chez Pierre Matisse à New-York. C'est seulement en juin 1951, qu'a lieu sa première exposition d'après-guerre à Paris, à la galerie Maeght, où son ami Louis Clayeux l'a convaincu d'entrer. Il y présente des œuvres déjà montrées à la galerie Matisse et plusieurs œuvres nouvelles, toutes en plâtre, dont "Le Chat et Le Chien". Contrairement à la légende qui veut qu'Aimé Maeght ait permis à Giacometti de faire fondre ses œuvres en bronze, Giacometti peut faire fondre ce qu'il veut, depuis 1947, grâce à Pierre Matisse. La construction de l’espace intérieur de Giacometti et celle de son atelier forment un tout singulier, construction autour de l’appropriation du visible. On peut supposer, dès lors qu’une énergie psychique circule, un jeu meurtrier entre la proximité de l’objet et l’immensité de l’espace, une détermination à élaborer une mythologie se déployant dans l’espace du visible. Giacometti peut s’inscrire dans un destin mythique. Les lignes de ses dessins suivent le sillage de sa vie: fluide, légère, perdue, reprise, gommée, multipliée, aventureuse. Questionnement du proche et du lointain. Il semblerait que son art tienne dans la discontinuité. Le vide comme forme vitale, irruption du futur du dehors dans le dedans. Giacometti féconde la matière altérée, une substance avide. La présence active du vide viendrait comme une plainte, un ressassement. Les sculptures sont ainsi rongées et pourtant elles jaillissent. Une tension, une respiration faible, une ouverture infinie se verticalisent.   "Et l'aventure, la grande aventure, c'est de voir surgir quelque chose d'inconnu chaque jour, dans le même visage, c'est plus grand que tous les voyages autour du monde. Je n'aime l'œuvre d'un peintre que quand j'aime la plus mauvaise, la pire de ses toiles, je pense que chez tous la meilleure toile contient les traces de la pire, et la pire celles de la meilleure, et tout ne dépend que des traces qui l'emportent". À partir du milieu des années 1950, Giacometti réduit ses motifs à des têtes, des bustes et des figures. En 1955, des rétrospectives ont lieu à l'"Arts Council England" à Londres et au musée "Guggenheim" de New-York, ainsi qu'une exposition itinérante en Allemagne dans les villes de Krefeld, Düsseldorf et Stuttgart. Représentant la France à la Biennale de Venise, en 1956, Giacometti expose une série de figures féminines réalisées entre janvier et mai, un peu moins grandes que nature, connues par la suite sous l'appellation de "Femmes de Venise", même si certaines furent montrées pour la première fois à Berne la même année. En septembre, il expose pour la troisième fois à la galerie Maeght, avec un essai de Jean Genet. Il rencontre le professeur japonais Isaku Yanaihara dont il réalisera de nombreux portraits. En 1960, il crée la sculpture la plus importante de toute son œuvre, "Homme qui marche". Cette sculpture est considérée en ce début de XXIème siècle comme un chef-d'œuvre dans l'histoire de l'art. Giacometti n’a pas la certitude du trait, le dessin bute sur l’impossibilité de rendre ce qu’il voyait. Cependant, il a fondé une œuvre de dessins qui, à défaut d’être aboutis, sont élaborés, construits, classiques, inachevés, produisant un effet de style. L'artiste se sent impuissant et désorienté quand il copie le visible. Ceci reste un leitmotiv fondamental et vital dans sa sculpture. Ici, nous sommes dans l’après-coup, dans une recherche a posteriori d’une cohérence du destin en rapport avec un visible troublant. Giacometti passe de la réduction des dimensions à un tout autre type de sacrifice: la minceur de la figure à nouveau grande. Il reste une trace distancielle, une ligne légère mais sans renvoi dimensionnel.   "À ce moment là, je commençais à voir les têtes dans le vide, dans l'espace qui les entoure. Quand pour la première fois j'aperçus clairement la tête que je regardais se figer, s'immobiliser dans l'instant, définitivement, je tremblai de terreur comme jamais encore dans ma vie et une sueur froide courut dans mon dos. ce n'était plus une tête vivante, mais un objet que je regardais comme n'importe quel autre objet, mais non, autrement, non pas comme n'importe quel autre objet, mais comme quelque chose de vif et mort simultanément". Le destin des statues de Giacometti est-il d’échapper au présent ? La temporalité psychique n’est sans doute pas assez étudiée dans l’histoire de l’art. Que pourrait donc apporter l'analyse face à l’œuvre d’art qui justement est en rupture avec le déroulement normal d’une temporalité ? Le rituel reste un moyen d’échapper à la désintégration totale. Genêt pense d’ailleurs que Giacometti, en apportant de la solidité au socle de ses statues, accomplit un rituel. Le rituel du geste sculptural chez Giacometti offre un résultat magique en métamorphosant les perspectives de la réalité, alors que l’esthétique du XVIIIème siècle voulait que la beauté réside dans l’intention, les procédés. Si Genêt parle de l’art de Giacometti comme un "art de clochard supérieur", c’est que l’on touche là au plus près de la douleur pure, Genêt y ajoute la souffrance, la solitude, le rituel, la magie. La mort défait le corps dans une violence visuelle, le volume corporel n’existe pas, quelque chose a été arraché, le pouvoir mortifère se placerait dans la tête et la mort, comme travail psychique chez Giacometti, abstrait le visible. Cet espace de mort évoque une mort abstraite avec réduction de la figure humaine. Il réalise des sculptures minimalistes, dont certaines peuvent se nicher dans des boîtes d’allumettes et d’autres aux dimensions colossales. Ce que l’on retient de lui ? Des silhouettes presque charnelles, au caractère fuselé et élancé qui se perdent dans leur espace. "J'écrirai des choses nouvelles, elles se formeront. Autrefois je voyais à travers l'écran des arts existants. J'allais au Louvre pour voir des peintures et des sculptures du passé et je les trouvais plus belles que la réalité. J'admirais plus les tableaux que la vérité. La sculpture repose sur le vide". Elle subit l’inachèvement à cause des hésitations de Giacometti sur les dimensions et le socle, et le traitement graphique des faces. Vers 1950-1960, l’artiste revendiquera cette aventure de la ressemblance comme "résidu d’une vision". Il recherche là une ressemblance essentielle, tout en réfutant l’esthétique réaliste des bustes romains classiques et des moulages directs dont il récuse le non-sens, la froideur. En réalité, il vit un drame: renoncer à la part évidente du ressemblant. Du coup, la dissemblance prend valeur de contrecoup, alors que le support de la ressemblance, le visage s’effrite. Les têtes restent illimitées, vagues, objets insignifiants. Giacometti peut accéder à la beauté lisse de formes jusqu’au "déchiquetage dramatique" et la désintégration, en passant par l’ouverture progressive des formes. Le vide s’y insinue en effectuant une opération de corrosion des contours. Giacometti s’engage alors dans une gestuelle agressive en tranchant les contours en lames. Il reste étonné devant sa recherche, refuse le vocabulaire propre à la représentation, de la tradition esthétique qui a donné à la mimesis une place fondamentale. Le second degré du dessin que Giacometti a atteint n’a pas les mots pour distinguer le fait d’être des façons d’être. Ainsi, avec Giacometti, on peut démultiplier les interprétations d’une carence dimensionnelle où la matière reste privée de sens. À l’automne 1962, Giacometti se rend à Londres où la Tate prévoit une grande rétrospective pour 1965. Il y revoit Isabel Rawsthorne et Francis Bacon. Giacometti et Bacon se vouent une grande admiration mutuelle. À Zurich se prépare simultanément une grande rétrospective au Kunsthaus prévue pour l’hiver 1962. L’état de santé de Giacometti est préoccupant. Fumeur invétéré, il souffre depuis longtemps de bronchite chronique. Manque de sommeil et forte consommation de café et d’alcool qui rythment sa vie nuisent également à sa santé. En 1963, il est opéré d’un cancer de l’estomac. Il meurt d’une péricardite le onze janvier 1966 à l’hôpital cantonal de Coire. Il est inhumé auprès de la tombe de ses parents. À la Fondation Giacometti suisse de Zurich vient s’ajouter en 2003 la Fondation Giacometti à Paris, légataire universelle d’Annette, décédée en 1993. Bibliographie et références: - Yves Bonnefoy, "Alberto Giacometti, biographie d’une œuvre" - Jean Clair, "Un souvenir d’enfance d’Alberto Giacometti" - Claude Delay, "Giacometti, Alberto et Diego, l’histoire cachée" - André Du Bouchet, "Alberto Giacometti" - Thierry Dufrêne, "Alberto Giacometti. Les dimensions de la réalité" - Jean Genet, "L’atelier d’Alberto Giacometti" - Charles Juliet, " Alberto Giacometti" - Michel Leiris, "Pierre pour un Alberto Giacometti" - James Lord, "L'art d'Alberto Giacometti" - Jean Soldini, "Alberto Giacometti, le colossal" - Véronique Wiesinger, "L'atelier d'Alberto Giacometti" Bonne lecture à toutes et à tous. Méridienne d'un soir.

"Si je pensais à vous, je pensais seulement à quelque chose qui durait, qui pouvait durer. Je ne savais rien de Circé et de sa puissance, je n’avais pas même entendu le nom de Calypso, ni de Nausicaa." En accueillant la jeune poète sur son divan, Freud, alors âgé de soixante-dix-sept ans, a conscience de prendre une patiente à plus d'un égard hors norme. Icône de l'Imagisme, ce mouvement poétique figuré par Ezra Pound dont elle fut l'amante, H.D. a tôt emprunté les chemins du ménage à trois et d'une bisexualité insouciante, en voyageant avec Frances Josepha Gregg, ancienne étudiante de Pound avec laquelle elle vécut une idylle, et le mari de celle-ci. Mariée à Richard Aldington en 1913 mais séparée deux ans plus tard, elle rencontre en 1918 Annie Winifred Ellerman, dite Bryher, destinée à devenir la compagne de sa vie. Ce qui ne l'empêche pas d'avoir une fille avec Cecil Gray, un ami d'Aldington qui reconnaîtra l'enfant, prénommée Perdita. Bryher, de son côté, demande en 1921 la main de Robert McAlmon, ex-amant de H.D. Ce mariage de convenance sera remplacé par un autre en 1927. Bryher épouse Kenneth Macpherson, avec lequel H.D. a une liaison et dont elle attend un enfant, qu'elle décide de ne pas garder. La même année, Bryher et Macpherson acceptent d'adopter Perdita Aldington.Vous êtes perdu ? C'est normal. Familles recomposées, homoparentalité, H.D., dont la beauté solaire et fragile émeut manifestement les deux sexes, n'est pas seulement une pionnière dans sa pleine liberté à vivre toutes les variables des équations affectives. Avec son cycle de romans intitulé "Madrigal", l'écrivaine, contemporaine de Virginia Woolf et de Gertrude Stein, a ouvert un chapitre essentiel de l'histoire de l'autobiographie féministe, dont témoigne notamment le "Don". Hilda Doolittle naît à Bethlehem, en Pennsylvanie aux États-Unis, le 10 septembre1886. Son père était astronome. Il dirigeait l'observatoire Sayre et enseignait les mathématiques à l'Université privée de Lehigh. Sa mère, musicienne, bien que très chaleureuse, lui donna une éducation stricte, inspirée de la tradition morave, forme de protestantisme. Elle tient de son père son héritage intellectuel et de sa mère sa vocation artistique et mystique. La jeune fille entre au Bryn Mawr College en 1904 et se lie d'amitié avec Marianne Moore et deux étudiants de l'université de Pennsylvanie, Ezra Pound à qui elle est fiancée un bref temps et William Carlos Williams. Elle doit quitter le collège en 1906 pour raisons de santé. Cinq ans plus tard, elle voyage en Europe pour passer des vacances, mais décide de s'installer définitivement sur le vieux continent, séjournant en Angleterre et en Suisse. Elle publie ses premiers poèmes dans la revue "Pound Poetry", sous les initiales H.D., nom de plume qu'elle gardera, avec un style propre à elle, dans lequel, au-delà du dessin, la voix de son moi lyrique joua un rôle central.    "Pénélope était un lointain rêve de foyer, et d’autres et la querelle dans les tentes n’était qu’une affaire locale, loin au-dessous des tourelles et des remparts et de la Muraille." Elle traversa une période très difficile après la rupture de fiançailles douloureuse avec le poète Ezra Pound mais accepta la demande en mariage de l'écrivain britannique Richard Aldington. Cette relation échoua également et la laissa dans un état d’épuisement complet, dont elle sortit aidée par sa liaison avec D. H. Lawrence et surtout par la relation suivante, celle avec Bryher, la poétesse historique Winifred Ellerman. Celle-ci fut une bienfaitrice fortunée du mouvement psychanalytique et restera jusqu’après la seconde guerre mondiale son amante et au-delà son amie de toute la vie. Bryher reçut son nom d’artiste par H. D., qui l’encouragea expressément à écrire et l’aida alors probablement à sortir d’une crise suicidaire. Avec son amante puis Kenneth Macpherson devenu le mari de celle-ci, H. D. a aussi collaboré au développement du cinéma moderne, comme en témoigne l’œuvre "Borderline" (1930). Déjà avant son analyse avec Freud, H. D. se fit connaître par des anthologies poétiques, qui reçurent des critiques très positives, et par des traductions d’Euripide. Freud lut une grande partie de ses œuvres. Une des particularités de l’art poétique de Hilda Doolittle est l’utilisation du palimpseste, écrivant plusieurs fois par-dessus un texte déjà existant, se référant à un immense savoir sur les mythologies de cultures les plus diverses. Une autre particularité stylistique de H. D. se trouve dans l’utilisation de tournures hiéroglyphiques, ressemblant à un rébus et par là se rapprochant de la "Traumdeutung" (interprétation des rêves) de Freud. D’une certaine façon, on pourrait dire que Hilda Doolittle a cherché à travers sa poésie à atteindre l’inconscient par l’écriture pour se protéger de la réalité. "Chacun de nous comme toi est mort une fois, chacun de nous a traversé un vieux chemin en bois et trouvé les feuilles d’hiver si dorées dans le feu du soleil que même les fleurs vives des bois étaient sombres".    "J’ai fini par aimer Achille, à Leuké, mais je l’ai laissé retourner, à la mer, à sa mère, Thétis. Il a donc été absorbé, regagné par son propre élément ?". Chacun des termes lyriques de la prose narrative décrit ainsi par un jeu de miroirs illimité son monde intérieur reposant sur le plaisir saphique. "Tribute to Freud", publié en 1956, est l’histoire de la cure chez Freud. Le livre se présente en deux parties: "Écriture sur le mur", écrit onze ans après l’analyse, et "Advent", qui a été écrit, contre l’avis de Freud, sur le vif, en 1933, tel un journal intime. Le cours de l’analyse se lit comme le commencement d'une nouvelle ouverture vers l’écriture, laquelle l’avait pendant un certain temps protégée de la psychose. S’y mêlent musique, théâtre et danse par l’entremise du chant, de la poésie et de l’art dramatique tels que les pratiquaient les grecs dans l’antiquité. En 1927 meurt la mère de la poétesse. Peu de temps avant le début de son travail analytique avec Freud, elle entreprend un nouveau voyage pour Hellas, la Grèce de tous les mythes grecs, pays où elle avait déclenché, en 1920, une crise psychotique avec des symptômes hallucinatoires. Hellas renvoie au prénom de sa mère, Helen. Une des grandes œuvres poétiques ultérieures s’appellera "Helen in Egypt." L’année 1919 est terrible pour elle, son frère est tué en France, son père meurt, son mariage échoue et elle donne naissance à un enfant que son père ne reconnaîtra pas. Le père est mort en 1919 du choc de la mort de son fils, le frère préféré de Hilda,en 1918 en France. En 1919 est née Perdida, l’unique fille d'Hilda, dont le père était le peintre Cecil Gray. Aldington s’était éloigné d’elle pendant son service militaire et s’était trouvé une maîtresse. Pendant la grossesse, ayant contracté la grippe espagnole, elle fit deux pneumonies. Sa vie ainsi que celle de l’enfant à naître furent menacées. "Lavage de rivière froide dans une terre glaciaire, eau ionienne, froid, sable strié de neige, dérive de fleurs rares, clair, avec une coquille délicate comme une feuille enfermant feuille de lys, texture camélia, plus froid qu'une rose. Pensées intimes, tendre la main pour partager le trésor de mon esprit, mains intimes, tout le ravissement pur que je prendrais mouler un clair et statue glaciale."   "Je ne sais pas, Odysseus, votre nom n’est pas familier. Je n’y avais pas pensé, ne l’avais pas prononcé depuis dix ans, cela fait plus de dix ans et à l’époque, vous ne faisiez qu’aller et venir comme eux tous au Palais, cela fait plus, plus de dix ans." Peu de temps après, sa fille unique sera adoptée par son amante qui demeurera son amie tout au long de sa vie, dans les bons et les mauvais moments. Comment Freud a-t-il orienté la cure de son analysante ? Il n'est pas anodin d'observer que nombre d'écrivains redoutent d'entreprendre une analyse, de peur de dilapider leur singularité dans une exploration jugée trop risquée ou de devoir se soumettre à une injonction normative. H.D., dont le mode de vie n'attire aucune remarque d'ordre moral de la part de Freud, choisit, elle, de s'y mesurer. Par défi, par nécessité, par curiosité pour la grande aventure intellectuelle que la psychanalyse représente alors. C’est à ce point que le travail analytique avec Freud a commencé. À ce moment, Doolittle a compris ce symptôme comme borne de chemin, lui offrant l’orientation et la direction. C’était son "symptôme signifiant." Elle l’a compris avant tout comme poème illustré sur lequel pourra se fonder toute son œuvre à venir. La direction de la cure par Freud a permis que se constitue au moins un soupçon d’un vide, sans lequel Doolittle n’aurait certainement plus pu revenir à l’écriture, mais aurait terminé dans une folie religieuse. Ce danger pourtant l’aura accompagnée toute sa vie. Freud aura réussi à travers la cure à contrer le danger qu’elle soit submergée par une marée d’images spirituelles-spiritistes, s’enracinant dans le discours tout en exaltation religieuse de sa mère. La cure de la poétesse lui a permis de se réapproprier son écriture et de continuer à la développer. Le point d’aboutissement de cette voie fut "Helen in Egypt", décrivant l’art poétique dorique de Stésichore par-dessus l’épopée homérique de l’Iliade. En déplaçant Helen dans un entre-les-cultures, ici la Grèce, mais aussi dans un entre-les-interprétations, entre Stésichore et Homère, elle se transforme en lieu de la poésie.   "Pourquoi êtes-vous venu troubler mon déclin ? Je suis vieille. La rose la plus rouge s’épanouit et c’est ridicule, en ce moment, en ce lieu. La rose la plus rouge s'épanouit gâtant notre fruit d’été." En 1918, la rencontre avec Annie Winifred Ellerman est décisive pour la fragile et solaire poète. Cette année sera celle de la parution du recueil de poésie, "Hymen" qui se donne d’abord à lire comme un hymne à Hyménée, qui personnifiait le chant nuptial et présidait les festivités lors des mariages. Par l’entremise des nymphes du cortège d’hyménée errant dans le vestibule d’un lieu de culte indéfini, peut-être le temple d’Olympie ou un palais antique tenant lieu de sanctuaire, elle invoque Héra, déesse de la fécondité. Il s’agit moins pour elle de déterminer par le biais d’une description réaliste un cadre référentiel univoque que de construire un monde mythique. Par l’entremise de toute une série de glissements métaphoriques, le texte nous conduit dans la crypte où se déroulaient les rites initiatiques des religions à mystères, et à la thiase de Sappho dans l’île de Lesbos. L’image du Havre luxuriant ("closed garden") renvoie au topos aphrodisiaque par excellence. Elle rappelle la manière dont Sappho décrit sa sphère pastorale, lieu clos où elle côtoie ses compagnes et où elle invite sa protectrice Aphrodite à la rejoindre. De 1927 à 1931, en plus de se lancer dans le théâtre, HD écrivit pour la revue de cinéma d'avant-garde "Close Up", fondée par Macpherson et elle-même, Bryher finançant le projet. Elle fait une première analyse avec Mary Chadwick en 1931. L'insuccès de cette analyse l'incite à se faire traiter par Hanns Sachs, à Berlin, qui l'introduisit auprès de Freud, à Vienne, où elle séjourne en 1933. Freud avait lu des livres de H.D., notamment "Palimpseste", avant leur première rencontre le premier mars 1933. Elle publie les mémoires de cette analyse qui dure trois mois, jusqu'en juin 1933, dans "Writing on the Wall", le journal de son analyse, réédité sous le titre "Tribute to Freud", rare témoignage de l'atmosphère chaleureuse que Freud pouvait instaurer avec des patients.   "Hymen, ô roi de l'hymen, qu'est-ce que c'est amer ? Quel arbre, déchirant mon cœur ? Quelle cicatrice, quelle lumière, quel feu brûlant mes yeux et mes yeux de flamme ? Sans nom, ô nom prononcé, roi, seigneur, dis un hymen irréprochable." Elle se réfugia en Angleterre durant les dures années de guerre en compagnie de son amante qui se démenait pour aider les réfugiés, victimes de l'Allemagne nazie du Troisième Reich. Ayant pris cause pour eux, elle rompit alors tout lien avec Ezra Pound qui était profasciste et antisémite. Elle publia en 1936 "The Hedgehog", livre pour enfants et l'année suivante, une traduction d' "Ion" d'Euripide. Elle divorça finalement d'Aldington en 1938, l'année où elle reçut le prix Levinson de poésie pour l'ensemble de son œuvre. Viendront ensuite, "Les murs ne tombent pas" en 1944, "Hommage aux anges" en 1945 et "Floraison du bâton" en 1946. Elle entreprit une psychothérapie avec Walter Schmideberg, époux de Melitta Schmideberg et gendre de Melanie Klein. De plus en plus attirée par les sciences occultes, H.D se mit à écrire des recueils de poésie mystique à la frontière de l'occultisme. Elle se tient entre les signifiants opposés masculin et féminin, amour et haine, guerre et paix, vie et mort, beauté et laideur, indicateurs binaires des chemins,"on the ways", par-delà lesquels elle pointe le lieu de l’écriture même, qui se soustrait au sens, mais où, comme dans le "Wunderblock", se font les inscriptions. Le retrait de la poétesse vers les sources de l’écriture est une traversée du fossé qui sépare la lecture de l’écriture, la fiction de la réalité, le sommeil du réveil. H.D a été qualifiée de romancière lesbienne. En réalité, elle était bisexuelle, bien que se moquant des conventions. "Vous aviez deux choses à cacher, d'une part que vous étiez une fille, d'autre part que vous étiez un garçon." Cette formule, Freud lui adressa, lors de la première séance en 1933. H.D, échauffée à l'idée d'incarner le phénomène presque disparu de la parfaite bisexuelle et de contribuer ainsi à l'histoire de la psychanalyse lui répondit simplement: "Bon, alors, c'est terriblement excitant."   "Laisse aimer demain celui qui n'a jamais aimé. Qui jamais n'a aimé. Ce qui veut dire tout le monde, ou presque. L'amour n'existait pas, sauf l'amour du devoir, et l'amour du sacrifice. Aime demain puisqu'on ne le peut aujourd' hui. Encore et encore, les longues vagues rampent et suivent le sable avec de la mousse. La nuit s'assombrit et la mer prend ce ton désespéré de noir que les femmes mettent quand tout leur amour est fini." En 1956 et en 1960, avançant dans l'âge, la femme de lettres américaine décida de se rapprocher de sa fille en lui rendant visite par deux fois aux États-Unis. Perdita mariée, avait quatre enfants. Ce fut pour H.D un grand bonheur, certainement le plus intense et surtout le dernier. En quête de repos, elle rejoint son amante, Bryher, Annie Winifred Ellerman, en Suisse. En 1960, c'est enfin la consécration littéraire. Elle remporte le premier prix de poésie de l'American Academy of Arts and Letters. Séjournant à la villa Kenwin, située sur la commune vaudoise de La Tour-de-Peilz, où elle subit une nouvelle dépression nerveuse, son psychanalyste, Erich Heydt, l'encourage à écrire "End of Torment", sur sa relation avec Ezra Pound. Entre 1952 et 1954, elle compose le recueil "Helen in Egypt", une déconstruction féministe de la poésie épique, réponse aux "Cantos" d'Ezra Pound. Une fracture de la hanche la laisse handicapée. Atteinte d'un accident vasculaire cérébral, elle décède le vingt-sept septembre 1961. Suivant ses dernières volontés, ses cendres sont rapatriées au caveau familial de Bethlehem. Quand de la redécouverte d’un écrivain s’exhale une sensibilité d’écriture à ce point constitutive d’un rapport au monde, et pour peu que cet aspect ait été simplement recouvert par d’autres influences, on peut alors parler de révélation. C’est à une expérience de cet ordre que doit se préparer tout lecteur de Hilda Doolittle, femme d'une mystérieuse et grande beauté, tourmentée par une bisexualité trépidante qui signait ses écrits H.D., pour qui l’instant d’extase était aussi le moment de la souffrance la plus grande.    Bibliographie et références:   - Béatrice Didier, "Hilda Doolittle, dite H.D" - Antoinette Fouque, "Dictionnaire des créatrices" - Élisabeth Roudinesco, "Écrire d’amour" - Lisa Appignanesi, "Hilda Doolittle" - Alain de Mijolla, "Hilda Doolittle-Aldington" - Jacques Lacan, "Le séminaire, Livre III" - Serge Benstock, "Femmes de la rive gauche" - Geneviève Morel, "Ambiguïtés sexuelles" - Jacques Derrida, "La dissémination" - Marie-Christine Lemardeley, "La poésie chez H.D"   Bonne lecture à toutes et à tous. Méridienne d'un soir.

"Les souvenirs empêchent d'avancer. Il faut de la force pour les effacer, ne laisser personne vous abattre, rester ferme dans vos choix et aller de l'avant, sans vous retourner". Les artistes sont souvent des amoureux inconditionnels, passionnés et entiers. Salvador Dalí, référence du surréalisme, n'échappe pas à la règle. Lui qui vit avec le fantôme d'un frère qu'il a remplacé aux yeux de ses parents et l'absence d'une mère emportée par un cancer d'un col de l'utérus alors qu'il n'a que seize ans, a toutes les armes pour devenir un artiste maudit. À vingt-trois ans, il a croisé Picasso, quitté l'Espagne pour Paris et fréquente un cercle d'intellectuels surréalistes. C'est lors de vacances dans la maison de ses parents où il a invité tout ce petit monde, qu'il croise le regard d'Elena Ivánovna Diákonova, surnommée Gala. Elle n'est pourtant pas un cœur à prendre puisqu'elle est l'épouse du poète Paul Éluard. Le coup de foudre est immédiat entre le peintre et la jeune femme de près de dix ans son aîné. Il déclarera même que l'expérience la plus passionnante de sa vie est cette rencontre avec celle qui va devenir sa femme. Pour Gala, cette histoire naissante est l'occasion d'échapper à un schéma classique d'épouse dans lequel elle étouffe. Mariée à Paul Eluard, elle est aussi mère d'une petite fille. Mais elle s'ennuie dans ces rôles qui ne conviennent pas à sa nature indépendante et passionnée. La jeune femme a d'ailleurs déjà une relation extra-conjugale avec un autre artiste, Max Ernst. Elle quitte donc deux hommes pour Dalí. Lui est déjà fou d'elle, au sens littéral du terme. Ses "crises de folie" inquiètent les amis qu'il a conviés dans sa maison de Cadaquès. Entre l'artiste fantasque et la belle éprise d'indépendance et de culture, l'histoire est inévitable. Gala devient donc à la fois son amante et sa muse avant de devenir officiellement sa femme, civilement, en 1932 et religieusement, en 1958, après la mort de Paul Éluard. D'apparence pourtant ordinaire, Elena Ivánovna Diákonova, surnommée Gala, a déchaîné les passions tout au long de sa vie et suscite encore des réactions partagées près de quarante ans après sa mort. On retient souvent que la jeune russe, issue d'une famille très bourgeoise et cultivée, a rencontré le tout aussi jeune Paul Éluard lorsqu'elle avait dix-huit ans et se faisait soigner pour une tuberculose en Suisse. Ils se marient cinq ans plus tard et ont une fille, Cécile qui sera l'unique enfant de Gala. Les époux rencontrent quelques années après le peintre Max Ernst, qui deviendra l'amant de la jeune femme et ira même jusqu’à vivre avec le couple dans leur maison de la région parisienne. En 1929, douze ans après leur mariage, Gala et Paul Éluard se rendent à Cadaquès, en Catalogne, pour rendre visite au peintre Dali. Gala a trente-cinq ans, Dali vingt-cinq, et c’est le coup de foudre réciproque. Ils ne se quitteront plus jamais. "Sans Gala, je ne serais rien, elle est mon oxygène, disait le peintre catalan, c’est elle qui découvre et m’apporte toutes les essences que je transforme en miel dans la ruche de mon esprit." Mais la froide Russe agace l’entourage de Dali. "Elle pouvait être froide et calculatrice" reconnait Montse Aguer, directrice de la fondation Gala Salvador Dali. Selon son biographe Bertrand Meyer-Stabley, elle est ambitieuse, dominatrice, cynique et aime plus que tout l’argent et le luxe. Pourtant, c’est bien elle qui inspirera de nombreuses œuvres à ses différents maris ou amants, et fera en particulier la réussite du peintre catalan. Conseillé par Gala, Dali devient ce peintre excentrique que l'on s'arrache dans le monde entier. Le couple s'enrichit et mène un train de vie très confortable.   "L’oisiveté est la mère de tous les vices, mais le vice est le père de tous les arts. Et tu es un artiste. Ce qu’ils appellent oisiveté n’est qu’art, création. L’esprit ne connaît jamais le repos". Mais Gala était-elle vraiment cette femme fatale sans cœur décrite par certains ? Adorée par ses maris et amants, Gala était aussi l’amie de nombreux artistes et figures intellectuelles de l’époque, notamment les poètes René Char et René Crevel ou le peintre Man Ray. Cultivée et créative, elle produisait elle-même objets surréalistes et écrits en prose, et participait souvent au processus créatif des œuvres de Dali, qui signait certaines d’elles par Gala Salvador Dali. C’était une femme en avance sur son temps, qui va bien plus loin qu’un rôle de simple muse. Gala était surtout une femme libre,et c’est un exemple pour les femmes, elle luttait pour ce en quoi elle croyait, l’art et la littérature. Elena Ivánovna Diákonova,connue par tous comme Gala, est née le dix-huit août 1894 à Kazan, l’Empire russe à l’époque. Quelques années plus tard, son père mourut, et sa mère se remaria au bout d’un certain temps. La famille s’installa alors à Moscou. Elena avait de très bons rapports avec son beau-père, au point qu’elle a adopté le nom patronymique de celui-ci. Comme un papillon qui sort de sa chrysalide, la future muse de Dali a porté différents noms, Elena Ivanova, Elena Dmítrievna, Elena Diákonova, Elena Diákonova-Éluard, pour être finalement Gala, Gala Dali. À Moscou, Elena fait ses études dans une école pour jeunes filles. Elle rencontre Marina Tsvetaeva, une poétesse qui deviendra célèbre dans le monde entier. L’écrivaine la décrivait ainsi: "Dans la salle de classe à moitié vide, sur un pupitre, est assise une petite fille aux jambes longues et minces, vêtue d’une robe courte. C’est Elena Diákonova. Un visage allongé, une tresse blonde avec une boucle au bout. Des yeux inhabituels, marrons, petits, on dirait des yeux de chinois. Des cils foncés et épais d’une telle longueur que, comme mes amis l’ont prétendu, deux allumettes pouvaient être placées ensemble. Son visage reflétait l’obstination et ce degré de timidité d’une personne maladroite”. En 1912, Elena, âgée de dix-sept ans, fut atteinte de tuberculose, et sa famille l’envoya au sanatorium Clavadel en Suisse. C’est là qu’elle rencontre le poète inconnu Eugène Grindel. Il est devenu plus tard son premier mari. Elena elle-même était destinée à devenir une muse et à inspirer celui que le monde connaîtra plus tard sous le nom de Paul Éluard, qui écrira les poèmes d’amour les plus fervents. C’est ainsi qu’Elena découvre en elle sontalent, peut-être le plus important, car elle est brillante, être une muse dans l'ambiance littéraire que cultivait sa mère.   "Combien de temps faudra-t-il pour que l’on comprenne que le rôle de la muse est plus important que celui du génie ?". Le couple se marie en 1917. Un an après, elle a une fille. En 1921, Elena et Paul voyagent à Cologne, en Allemagne pour rendre visite à leur ami Max Ernst. C'est le début d’un triangle amoureux. C’était une relation ouverte. Ils habitaient, sans se cacher, sous le même toit. En 1929, le poète et sa femme se rendent à la ville espagnole de Cadaqué pour rendre visite à un peintre espagnol appelé Salvador Dali. "J’ai réalisé tout de suite que c’était un génie", avoua-t-elle plus tard. La relation avec Éluard prit donc fin. Paul Éluard quitte la maison de Cadaqués sans sa femme, emportant à titre de désagrément son portrait, fait par Dali. "J’avais l’impression que l’on m’avait confié le devoir de capturer le visage du poète, car je lui ai ôté la meilleure muse de l’Olympe", aurait dit plus tard le peintre. Gala devient sa muse. Alors, Gala et Salvador deviennent inséparables et, en 1932, lorsque le divorce avec Éluard est formalisé, le couple se marie officiellement. C'était un ménage assez particulier. Dali craignait les femmes et probablement les relations intimes, aux dires de certains, Gala était la seule à pouvoir le toucher, tandis qu’elle était sensuelle et passionnée. Dali était, lui aussi, passionné, mais juste dans ses fantaisies et ses créations. Gala, elle, assouvissait sa soif avec de nombreux jeunes amants, dont les marins de la zone. Les œuvres réalisées par l’artiste pendant leurs années de vie commune étaient signées par "Gala-Salvador Dali." Ce fut Gala qui réussit à ce que les collectionneurs et les amateurs de la peinture commencent à assiéger leur maison, sous prétexte de "toucher le génie de Salvador Dali." Autrement dit, c’était un manager très efficace. Si les œuvres ne se vendaient pas au prix souhaité, elle obligeait Salvador à faire de la publicité, créer des vêtements ou, par exemple, décorer des vitrines. En raison d’une différence d’âge de dix ans entre les deux, Salvador était pour Gala son fils, plutôt que son mari. Elle l’aimait bien plus que sa propre fille, Cécile, qui était à la charge de la mère d’Éluard. Salvador lui-même, dont la mère était décédée lorsqu’il avait quinze ans, et qu’il adorait sans mesure, acceptait volontiers ce rôle d’enfant gâté. Gala devient l'unique modèle féminin et le principal sujet d'inspiration du peintre qui ne cessera de la magnifier et de la représenter comme un mythe vivant et une icône moderne. De son côté, elle prend en main les affaires de son mari et saura les faire fructifier.   "Quant à Gala, Dali l'avait habillée en "cadavre exquis", d'après le fameux jeu surréaliste. Elle portait une jupe en cellophane et un chemisier vert très cintré, un poupon juché sur le crâne, couvert de fourmis, et dont la tête était fourrée dans une sauterelle fluorescente pourvue d'ailes noires, avec des gants blancs". Pendant plusieurs décennies, Dali peignit Gala de différentes façons. Elle fut immortalisée dans ses œuvres sous plusieurs formes, nue, faisant des poses obscènes, ou adoptant l’image de la Vierge Marie. Ce n’est pas pour rienque certains critiques d’art estiment que Gala n’était pas un modèle silencieux. Elle jouait le rôle de coauteur qui aidait le peintre à construire la composition de la toile. Gala contribua à la rupture de Salvador Dali avec les surréalistes, mais en même temps et grâce à son énorme talent et son esprit entrepreneur, l’artiste pouvait dire à juste titre: "Je suis surréaliste." En fait, la haine que l’un des fondateurs du surréalisme, André Breton, éprouvait envers Gala, suite au divorce d’Éluard, valut à la muse la renommée douteuse d’une femme aux mœurs légères et amoureuse d’argent. Plus tard, les médias l’ont baptisée la "Valkyrie insatiable", ce surnom étant l’un des moins offensants. Cependant, ni Gala ni Salvador ne semblaient s’en soucier. Pour le peintre excentrique, sa femme était sa Gradiva, sa Galatée. En 1934, les époux partent en Amérique suivant, comme d’habitude, le pressentiment infaillible de Gala. Elle estimait que ce ne serait qu’aux États-Unis que son mari pourrait obtenir une vraie reconnaissance et devenir riche. Et elle n’avait pas tort. En effet, c’est en Amérique où Salvador Dali commença à croire pour de vrai au surnom qu’André Breton lui avait donné en Europe, "Avida Dollars." Il s’agit d’un anagramme composé avec les lettres de son nom, et qui signifie “assoiffé de dollars”. Le couple organisait de nombreux événements lors desquels ils décoraient leur apparition en grande pompe. Alors que Dalí descend du navire sur les côtes américaines, il tient dans ses mains une miche de pain de deux mètres de long. Six ans après leur premier voyage aux États-Unis, Gala et Salvador y sont retournés et s’y sont installés pendant huit ans. Les deux ont travaillé sans relâche. Il peignait des tableaux et écrivait des scénarios. Il a créé le décor pour un film d’Alfred Hitchcock et a travaillé pour un dessin animé de Walt Disney.    "Elle était trop intuitive pour ne pas se laisser guider par ce qu'elle avait devant les yeux. Trop solitaire pour ne pas comprendre le besoin d'amour". Gala, elle, qui jouissait d’une énergie intarissable, organisait tous ces événements et signait de nouveaux contrats, sans pour autant oublier ses propres besoins, trouvant constamment de nouveaux amants bien plus jeunes qu’elle. En 1948, le couple Dali retourna en Espagne. Salvador adorait sa patrie, et la regrettait de plus en plus. Ils avaient tout à l’époque, une bonne réputation, une grande fortune, un énorme succès. Mais quelque chose tracassait la vie de Gala. Elle vieillissait. Et plus vieille elle était, plus jeunes et nombreux étaient ses galants. Elle dépensait une fortune avec eux, leur offrait des bijoux, des voitures, et même des tableaux peints par son mari. Malgré tout cela, en 1958, Gala et Salvador Dali se sont mariés dans le rite catholique. Pendant plus d’un demi-siècle d’histoire depuis leur union, Gala fut invitée à de nombreuses interviews, lors desquelles elle ne révéla jamais les détails de la vie avec son mari. Dali affirmait que pendant quatre ans, sa femme avait écrit un journal en russe, mais personne ne connaît à cette date l’endroit où il se trouve, au point qu’on se demande s’il existe vraiment. L'artiste était connu pour sa mythomanie. En 1964, Gradiva fêta son soixante-dixième anniversaire, et elle et son mari s’éloignaient de plus en plus. Elle passait la plupart de son temps avec ses admirateurs, et lui, avec sa maîtresse platonique, la chanteuse Amanda Lear. En 1968, Dali a commis une action juste, propre à lui. Il acheta à sa Gala adorée le château de Púbol, où il ne pouvait se rendre qu’avec une autorisation par écrit de son épouse. Gala y passa ses dernières années empreintes d’amertume, luttant contre ses affections et essayant de résister à une inévitable faiblesse sénile. En 1982, elle se fractura le col du fémur, et suite à un long séjour à l’hôpital, Gala Dali, née Elena Ivánovna Diákonova, mourut à l’âge de quatre-vingt-huit ans, le dix juin 1982. Dali la fit enterrer dans la crypte du château de Púbol, dans un cercueil au couvercle transparent. Il lui survécut sans son seul amour seulement sept ans encore, victime d’une dépression profonde et atteint d’un Parkinson progressif. Le peintre mourut le vingt-trois janvier 1989 à Figueras, à l'âge de quatre-vingt-quatre ans. Contre sa volonté, il fut inhumé dans la crypte de son théâtre-musée et non dans le château de Púbol. Sa fortune fut pillée à sa mort. "Je suis libre, je suis née libre, et libre je resterai dans l'art moderne".   Bibliographie et références:   - Pierre Assouline, "Dali et Gala" - Adam Biro, "Gala"- René Passeron, "Dictionnaire général du surréalisme" - Robert et Nicholas Descharnes, "Salvador Dalí" - Paul Éluard, "Lettres à Gala" - Michel Déon, "Gala, la muse inspiratrice" - Pierre Forrest, "L'inoubliable Gala" - Dominique Bona, "Gala" - Bertrand Meyer-Stabley, "La véritable Gala Dali" - Dominique Bona, "Une vie de Gala" - Carmen Domingo, "Gala Dali" - Victoria Charles, "La muse de Salvador Dali" - Jean-Pierre Thiollet, "Gala Dali"   Bonne lecture à toutes et à tous. Méridienne d'un soir.